Rock and Rol

Immortals

2011-12-26T11:36:00.001+01:00

En Immortals, el brutal y sanguinario Rey Hyperion (Mickey Rourke) y su ejército asesino, recorren Grecia en busca del arco perdido de Epiro. Con ese invencible arco, el Rey Hyperion será capaz de derrocar a los dioses del Olimpo y convertirse en el ser más poderoso del Universo.

Con una eficacia despiadada, el ejército del Rey Hyperion asola todo a su paso, hasta que alguien le planta cara. En una aldea, un joven albañil llamado Teseo (Henry Cavill) jura vengar la muerte de su madre en una de las incursiones de las tropas de Hyperion.

Cuando Teseo se reúne con el Oráculo (Freida Pinto), sus visiones inquietantes sobre el futuro del joven, le convencen de que él es la clave para detener la destrucción. Con su ayuda, Teseo reúne un pequeño grupo de seguidores y abraza su destino en una desesperada batalla final por la humanidad.

Reparto: Kellan Lutz, Mickey Rourke, Freida Pinto, Henry Cavill, Luke Evans, Stephen Dorff

Publicitada con un enorme "de los productores de 300" en todo tráiler, cartel y reportaje que la mencionaba, esta nueva incursión de cine mitológico en la pantalla grande se arriesgaba a estrellarse desde el mismo momento en que se anunció; las comparaciones son odiosas, y en este caso aún más. Más cercana a la fallida Furia de Titanes que a la hazaña de los 300, el filme goza de escenas de lujuriosa violencia, vísceras y salpicones de líquido vital más dignos de la serie Spartacus que de revisionismo mitológico. Efectivamente, las reminiscencias a 300 están, pero exclusivamente en el apartado gráfico -esos fondos de paisajes con cielos renderizados- o en la coreografía de las batallas masivas, donde se aprecia que no todo es trabajo infográfico de imagen. El problema es que poco más se puede rascar de una película que no acaba de cuajar, con numerosos pasos en falso de la trama -sí, la mitología clásica puede ser simplona, pero nadie obliga a hacer una película basada en ella, ¿verdad?- y diálogos y gestos totalmente anacrónicos. Podríamos salvar de la quema a un Mickey Rourke que realmente asusta como Hyperión, porque el resto del reparto queda lastrado por unas frases poco afortunadas e interpretaciones de viñeta de cómic. No acaba de ser una mala película, pero aburre entre luchas, y eso duele más que el célebre martillazo de los inicios...

LO MEJOR: indudablemente, los fondos infográficos y las luchas masivas.

Fuga de Cerebros

2011-12-17T11:36:00.002+01:00

En un humilde Instituto de barrio estudia Emilio (Mario Casas), un chico tímido y con una media de cinco, que lleva toda su vida enamorado en secreto de Natalia, la chica guapa y lista de la clase. Cuando el último día de curso, por fin se decide a declararse, a Natalia (Amaia Salamanca) le conceden una beca para estudiar Medicina en Oxford. Todo parece perdido para Emilio, pero sus colegas marginados del Instituto no están dispuestos a rendirse.

Tras falsificar expedientes y becas, esta pandilla de descerebrados desembarcan en Oxford revolucionando la apacible vida del Campus: Un ciego decidido a tener las mismas oportunidades que los videntes, un heavy en silla de ruedas con exceso de testosterona, un líder intelectual sin intelecto y un gitano cuyo punto fuerte, además de los trapicheos y la estafa, es su buen corazón.

Reparto: Mario Casas, Amaia Salamanca, Antonio Resines, Álex Angulo, Alberto Amarilla, Blanca Suárez, Loles León, Canco Rodríguez, Fernando Guillén, Mariano Peña

A rebufo del estreno en la gran pantalla de su segunda parte, una de estas noches pasadas pusimos remedio a no haber visto este reciente experimento de comedia gamberra patria, que tan buenos resultados cosechó en su momento en taquilla y -sorpresa- crítica especializada. Y es que entre los referentes cinéfagos de este simpático engendro del celuloide hay que citar a los grandes: el cartel obvio es "American Pie" y sus secuelas, pero habría que añadir a toda una corriente de cine políticamente incorrecto yanqui e, incluso, a la tradición setentera-ochentera de comedias con la crème de la crème de la carcajada estatal -Ozores, Pajares, Esteso y cía-; todo ello no hace sino engrandecer un filme que va de cara, sin querer ser más de lo que es -afortunadamente, deberíamos añadir-, y que mantiene en la excelente química entre los actores, los ocasionales cameos y su tufillo nerd/freak su apuesta en límites altos durante la práctica totalidad del metraje. Sí, hay hunor grueso y predecible, la trama es la que es y ha sido en numerosos ejemplos de comedia de sal gorda, y nadie va a ser premiado (salvo en su cuenta corriente) por el filme, pero entretenido es a rabiar, y con algunos momentos memorables que son los que encumbran a una película de este estilo en el Olimpo de la carcajada fácil y el imaginario colectivo...habrá que prestarle atención a su secuela, y no es broma...

LO MEJOR: el personaje del ciego, y los gags del "Ruedas" con Stephen Hawking.

Stephen King "La Torre Oscura 2: La Llegada de los Tres"

2011-12-11T12:10:00.001+01:00

Tras ser atacado por unas langostas gigantes que le amputan dos dedos de la mano derecha, al borde de la muerte, el pistolero se topa al fin con la puerta que lo conectará con «el otro mundo». De repente, se despierta en el cuerpo de un heroinómano y a punto de aterrizar en Nueva York… Roland lo hace cruzar al otro mundo y allí descubre una segunda puerta por la que irrumpe Susannah. Comienza el viaje hacia la Torre Oscura. Segunda parte de la aclamada serie La Torre Oscura: herido y ardiendo de fiebre, Roland descubre una puerta en medio de la playa…

Continuando inmediatamente con la narración de la primera novela de la serie, en este libro Roland El Pistolero parte en busca de su ka-tet o 'grupo de compañeros que comparten un destino'; con una prosa que hace difícil dejar el libro -King es un artista a la hora de manejar al lector como quiere, no lo olvidemos-, este segundo volumen es más escaso en momentos psicodélicos que el primero (a pesar de que en algunos momentos vuelva el King más onírico, sobre todo en los pasajes de Odetta/Detta/Sussannah), cobrando mayor peso el argumento de realismo crudo (merced sobre todo al personaje de Eddie) que se echaba de menos en "El Pistolero". En la narración, Stephen King se permite ir desarrollando poco a poco el encuentro con los personajes secundarios, dejando que la historia siga su ritmo y consiguiendo mantener la tensión en el lector al hacer que no sepa realmente cómo puede evolucionar la trama; un acierto de este artista de la palabra, que cuenta con un oficio envidiable a la hora de enganchar a miles de lectores, y que con esta saga ha conseguido además el reconocimiento no sólo de sus incontables lectores (y seguidores de películas, cómics, etc... basados en sus novelas), sino de la comunidad literaria. Un digno sucesor de la saga, que hace ansiar la lectura del siguiente capítulo.

LO MEJOR: el ritmo narrativo -inmejorable-, y el desarrollo de la historia que vislumbra dimensiones épicas.

"Forbidden Alchemy", nuevo primer suplemento anunciado para "Mansions Of Madness"

2011-12-11T12:02:00.001+01:00

Tal y como se nos anuncia en la web de Fantasy Flight Games, el primer suplemento para "Mansions Of Madness" (publicado en español como "Mansiones de la Locura" por Edge Ent.), el dungeoncrawling basado en Lovecraft, está ya en su fase de prepedido. Su título es "Forbidden Alchemy", y al parecer, el suplemento incluye nuevas piezas de tablero, cuatro nuevos investigadores, dos nuevas criaturas con las que interactuar no demasiado amistosamente, y más de 250 nuevas cartas y reglas -incluyendo la posibilidad de viajes por el tiempo y el volver con un "acompañante no deseado" de éstos...-.

The Doors "Absolutely Live" (1970) (ed.vinilo)

2011-12-10T12:25:00.001+01:00

Tracklist:
Side one
1."House Announcer" – 2:40
2."Who Do You Love?" (McDaniel) – 6:02
3."Alabama Song (Whisky Bar)" (Brecht, Weill) – 1:51
4."Back Door Man" (Dixon) – 2:22
5."Love Hides" (Jim Morrison) – 1:48
6."Five to One" (The Doors) – 4:34

Side two
7."Build Me a Woman" (Jim Morrison) – 3:33
8."When the Music's Over" (The Doors) – 16:16

Side three
9."Close to You" (Dixon) – 4:04
10."Universal Mind" (The Doors) – 4:54
11."Petition the Lord with Prayer" (The Doors) – 0:52
12."Dead Cats, Dead Rats" (The Doors) – 1:57
13."Break On Through (to the Other Side) No. 2" (The Doors) – 4:41

Side four
14."Celebration of the Lizard" – 14:25
"Lions in the Street" (The Doors) – 1:14
"Wake Up" (The Doors) – 1:21
"A Little Game" (The Doors) – 1:12
"The Hill Dwellers" (The Doors) – 2:35
"Not to Touch the Earth" (The Doors) – 4:14
"Names of the Kingdom" (The Doors) – 1:29
"The Palace of Exile" (The Doors) – 2:20

15."Soul Kitchen" (The Doors) – 7:15

Musicalmente, para mí Paris será asociada para siempre con Jim Morrison. Y no sólo porque allí, en el cementerio de Pere-Lachaise yazca en su tumba, la ciudad donde murió a los 27 años (la edad fatídica del rock, ya se sabe) tras alejarse de la vida en Los Ángeles con The Doors tras la publicación del que sería su último trabajo en vida, el excelente "L.A. Woman" (luego llegaría "An American Prayer", disco póstumo con sus poemas recitados y fondo musical de los Doors, un disco que por cierto tengo en vinilo en su edición original de los 70 con el libreto de los poemas y las fotos, y que es una obra imprescindible que siempre le agradeceré como regalo a Pies Cavitos), sino porque en el reciente viaje a París (donde por supuesto visitamos su tumba en Pere-Lachaise, pero eso es otra historia) pude adquirir en vinilo el único disco oficial en directo que editaron los Doors en vida de Morrison, este "Absolutely Live", con una calidad de sonido excelente ya que se ha grabado a partir de los másteres analógicos originales (respetando el sonido clásico; ¿que interés tiene el adquirir un vinilo -plenamente analógico- cuando la grabación contenida es a partir de un máster digital?). Un disco que nada más llegar a casa puse mientras deshacíamos las maletas con el fondo del "Five To One", "When The Music's Over" o "Celebration Of The Lizard" (otro punto a favor del álbum es la posibilidad exclusiva de gozar de varias canciones no incluñidas en otro disco, como este "Celebration Of The Lizard" que no llegó a ser incluído como tal en "The Soft Parade", la versión del "Close To You", o el también inédito "Build Me A Woman"). En fin, un concierto para disfrutar de la mejor versión en vivo de los Doors, una banda que en los conciertos lo daba todo, y que aquí grabó en su mejor forma una actuación para la historia del Rock.

LO MEJOR: que me llevé de las Galerías Lafayette la única copia a la venta de este disco. Exclusivo.

U2 "Achtung Baby!" (1991) (ed.vinilo)

2011-12-10T11:48:00.001+01:00

Tracklist:

1. Zoo Station
2. Even Better Than the Real Thing
3. One
4. Until the End of the World
5. Who's Gonna Ride Your Wild Horses
6. So Cruel
7. The Fly
8. Mysterious Ways
9. Tryin' to Throw Your Arms Around the World
10. Ultra Violet (Light My Way)
11. Acrobat
12. Love Is Blindness Aprovechando que se cuplen los 20 años de la publicación de este disco, y que lo acabo de poner en el tocadiscos, se me ha ocurrido hacer una entrada de uno de los álbumes que más ha influido no sólo en la carrera de un grupo para relanzarlo y redefinirlo (como pasó con los U2, que con "Rattle & Hum", su excelente anterior disco, tocaron techo en el estilo que los había definido hasta el momento), sino en todo el Rock que se editó después (grupos de todo pelaje, desde The Prodigy hasta Marilyn Manson o Nine Inch Nails, pasando por Depèche Mode, Héroes del Silencio, The Killers o HIM, han declarado públicamente su deuda con la estética y el sonido de este disco); y es que como canta Bono en los inicios del disco: "I'm ready/Ready for what's next" (Zoo Station), U2 se preparaban para lo que sería un paso enorme en su carrera, alejándose de su pose de rock comprometido de los 80 para entrar de lleno en los 90 con una mezcla de rock mesiánico, sintetizadores post-industriales e imagen ultramoderna que hizo que la banda cobrara proporciones aún más gigantes si cabía. Aún recuerdo cuando compré este vinilo, recién salido a la venta, un sábado por la mañana en el PRYCA (aún no habían llegado los Carrefour) por unas míseras 995 ptas...y ahora veo que se vende esta misma edición en internet por cuantiosas cantidades...en fin. Volviendo al disco, junto a los archiconocidos "One" (infinitamente mejor que la versión de Mary J. Bligue), "The Fly" (fue el primer single, y aún veinte años después hay fans del grupo que no se han recuperado del cambio sonoro que supuso), o "Tryin' To Throw Your Arms Around The World" (con su groove de reggae sintetizado), hay toda una pléyade de canciones magníficas, con letras entre la iluminación mesiánica ("Who's Gonna Ride Your Wild Horses", "Mysterious Ways") , la psicodelia alucinógena ("Zoo Station", "Acrobat") y la decepción alienista del rock crudo (no menos excelentes son "Even Better Than The Real Thing", "Until The End Of The World", o "Ultra Violet"), para terminar con un lamento épico que será la base de la discografía posterior ("Love Is Blindness", y su influencia en el sonido posterior de la banda). Todo estaba orquestado a la perfección, desde el collage de fotos de la carpeta del disco (obra del visionario "fotógrafo del rock" Anton Corbijn) hasta el sonido (obra de los ingenieros de los estudios berlineses de Hansa Ton, donde grabaron gente como Bowie o Lou Reed); el resultado es un disco que aún veinte años después de su publicación goza de una actualidad envidiable y suena igual de fresco y atractivo que en su día; una obra maestra de principio a fin. LO MEJOR: la estética y el sonido van de la mano para un disco épico, onírico y crudo; el Rock del siglo XXI empezó aquí.

Mundodisco (Ankh-Morpork), el juego de tablero

2011-11-23T22:25:00.001+01:00

Ankh-Morpork, la ciudad más antigua, grande y apestosa del Mundodisco, un lugar donde los problemas acechan en cada esquina...

Conviértete en una de las siete personalidades de Ankh-Morpork que compiten para conseguir el control de esta ciudad orgullosa y pestilente, usando todos los ardides y artimañas necesarias para cumplir con tus planes secretos. Durante el camino te encontrarás con magos, asesinos, miembros de la guardia y ladrones...todos ellos tendrán efecto sobre tu fortuna y continuamente cambiarán el destino de esta mercantil metrópolis.

Basado en el imaginario mundo creado por la pluma de Terry Pratchett

Mundodisco es un juego de tablero de Martin Wallace basado en las populares novelas de Terry Pratchett, que han vendido millones de ejemplares en todo el mundo. La acción se situa en la gran ciudad de Ankh-Morpork. Los jugadores tratan de colocar a sus seguidores y edificios mediante sus cartas. Cada una de las 132 cartas es totalmente única y representa a un personaje de las novelas.

Contenido: 1 tablero de juego a todo color, 132 cartas (101 cartas de juego, 12 cartas de evento, 12 cartas de barrio, 7 cartas de personalidad), 79 piezas de madera (48 seguidores, 24 edificios, 4 Demonios, 3 Trolls), 12 marcadores de conflicto, 1 hoja de dinero de cartón, 4 cartas de ayuda para los jugadores, 1 dado de 12 caras, 1 Reglamento.

En palabras del autor:

"El argumento es que Lord Vetinari ha desaparecido y algunas facciones están tratando de tomar el control de la ciudad".
"Las cartas dan vida al juego incluyendo los personajes más famosos que aparecen en los libros. Las reglas son relativamente simples: Juega una carta y haz lo que indica. La mayoría de cartas tienen más de una acción y puedes elegir hacer alguna acción o todas ellas. Algunas cartas te permiten jugar una segunda carta, así que puedes encadenar acciones"

Duración: 45-60 minutos
Jugadores: 2-4
Edad: 11+

Los componentes del juego: tablero, cartas, fichas, contadores...¡y un D12!

Al fin, poco tiempo después de su anuncio a bombo y platillo entre la comunidad afín al Maestro, tenemos en nuestras manos el primer juego de tablero basado en las novelas de Pratchett; en mi caso, tras una excursión hace un par de semanas el sábado por la tarde a una de las tiendas roleras de siempre, reparé cuando salíamos de ella en una caja que ponía "Mundodisco", así que animado por la Demonio Blanco lo puse bajo mi brazo y a la caja; el fin de semana pasado, un lluvioso domingo por la tarde lo estrenamos al fin, y he de decir que la mecánica del juego es sencillísima (en tu turno, debes jugar una carta, realizar las acciones permitidas por ésta, y termina tu turno), las partidas son rápidas (duró aproximadamente 45 minutos, y eso porque era la primera vez y había que ir solventando dudas) y muy entretenidas. El juego va ganando conforme se echan partidas, ya que cada jugador lleva un personaje con unas condiciones de victoria determinadas, y el desconocimiento de éstas hace que esté el riesgo de "regalar" la partida a algún contrincante por no estar atento...ya digo, esto se soluciona en cuanto se jueguen varias partidas y se conozcan los objetivos de victoria de los personajes. Por otro lado, y para evitar que el juego sea monótono, se ha optado por una sabia mezcla de reglas que incluyen cartas -algunas muy Munchkin- y estrategia de conquista con fichas -al más puro estilo Risk-. Con todo ello, el juego es muy recomendable no sólo para los Pratchett-heads sino para echar un rato con gente que no tenga mucho contacto con el mundillo de la fantasía, el rol o Mundodisco; algo similar a lo que sucede con un Ciudadelas o un Munchkin, que puede gustar tanto a frikones como a jugadores ocasionales.

LO MEJOR; la sabia mezcla de humor, cartas tipo Munchkin y estrategia a lo Risk, que hace del juego un rápido exponente de entretenimiento sin cansar.

Aquí las reglas del juego

Classic Queen (Mick Rock)

2011-11-20T11:40:00.001+01:00

Aún recuerdo cómo hallé, prácticamente al azar, este libro en una de esas librerías diminutas que parecen la casita de Papá Noel en Londres, concretamente en la zona de Kensington-Chelsea (¿dónde si no?), y cómo mi corazón casi dió un vuelco mientras corría a enseñarle mi hallazgo a la Demonio Blanco y los amigos que nos acompañaban, para instantáneamente comprarlo por el equivalente a unos míseros 12 euros...

Fragmento del libro

El interior del libro

Y es que este libro, para aquellos que no conozcan de qué va, es algo así como la crónica iconográfica de los primeros años de Queen, desde su primer concierto hasta la gira de su álbum más famoso, "A Night At The Opera", narrada por el fotógrafo Mick Rock, que por aquel entonces era el retratista más o menos oficial de la incipiente escena glam-rock (ya había fotografiado a Bowie, Iggy Pop o Lou Reed entre otros, y muchas de sus instantáneas son las imágenes icónicas que conocemos de ellos, como la famosa imagen en concierto de Bowie arrodillado delante del solo de guitarra de Mick Ronson en la gira de "Ziggy Stardust").

Freddie y Mick Rock

A lo largo del libro el autor nos narra numerosas anécdotas tanto íntimas -en su relación de amistad con Freddie y Mary Austin- como musicales, así como ilustrar con profusión casi obsesiva cada momento de esos años -en directo, en estudio, sesiones fotográficas, momentos íntimos mientras comparten un té o charlan en una fiesta...- tan importantes para la banda, de tal manera que incluso podemos encontrar imágenes tomadas en momentos relajados con los músicos -en casa, charlando animadamente-.

Una de las imágenes de la sesión de fotos para la clásica imagen "a lo Dietrich"

En resumen, un libro absolutamente magnífico y una delicia tanto en su lectura como en la contemplación de las instantáneas, muchas de ellas inéditas hasta el momento y que ilustran facetas desconocidas de la incipiente banda.

"White Queen"

LO MEJOR: algunos momentos realmente especiales, como la famosa sesión donde se gesto la imagen "a lo Dietrich" que ilustra la portada del libro (y el disco "Queen II" o el vídeo de "Bohemian Rhapsody") o las imágenes diarias de la banda ensayando antes de un concierto. Impagable.

Resacón en Las Vegas

2011-11-20T11:23:00.001+01:00

"The Hangover" es la historia de una desmadrada despedida de soltero en la que el futuro novio y sus tres amigos, dos días antes de la boda, se montan la juerga padre en Las Vegas. Doug (Justin Bartha) viaja a la ciudad del juego con sus mejores amigos Phil (Bradley Cooper) y Stu (Ed Helms), así como su futuro cuñado Alan (Zach Galifianakis). La juerga es de campeonato y, como era de esperar, a la mañana siguiente tienen una resaca monumental. El problema es que, siendo incapaces de recordar nada de lo ocurrido durante la noche anterior, se encuentran con que el prometido ha desaparecido, topándose en su lugar con otras dos sorpresas en la suite del hotel: un tigre y un bebé.

Reparto: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Sasha Barrese, Heather Graham.

Un ejemplo más de revival de comedia descerebrada americana, que desde "American Pie" proliferan en la cartelera buscando revivir con mejor o peor fortuna los momentos de gloria de ésta o ilustres predecesoras históricas como "Porky's" o "Desmadre a la Americana". En este caso, un enorme éxito de taquilla propició incluso una reciente secuela con prácticamente la misma pelicula pero rodada en Tailandia...en el caso que nos ocupa, este "Resacón en Las Vegas" prromete quizá más de lo que da, faltando en muchos casos algo que rellene los espacios entre tanto "caca-culo-pedo-pis" y gags de caídas y golpes dignos de los dibujos animados de la Warner; probablemente lo mejor de la película sea Zach Galifianakis, que gracias a ella optó a papeles de mejor empaque como ese "Due Date" ("Salidos de Cuentas"), donde al salto cualitativo de humor es evidente. Poco, muy poco de sorprendente para cualquiera que haya visto el trailer, que resume perfectamente la trama e incluye la práctica totalidad de los gags del filme, limitándose éste a unir de aquella manera los huecos entre chistes incluso de manera absurda para que encajen éstos en su totalidad en la trama...poco que rascar para una película que aspira a comedia televisiva para sábado por la noche.

LO MEJOR: que viendo el trailer has visto la película

Match Point

2011-11-20T10:55:00.001+01:00

MATCH POINT narra la historia de Chris (Jonathan Rhys Meyers), un modesto y ambicioso instructor de tenis que se debate entre dos mujeres, las cuales le acabarán llevando a un callejón sin salida: su matrimonio le proporciona estatus y prestigio en la sociedad, pero su pasión le lleva a los brazos de su futura cuñada. La espectacular Nola (Scarlett Johansson) es la bella y extremadamente sexy chica americana que se impone entre Chris y su esposa Chloe (Emily Mortimer). Tom (Mathew Goode) es el acaudalado hermano de Chloe que desencadena los acontecimientos..

Reparto: Brian Cox, Matthew Goode, Scarlett Johansson, Emily Mortimer, Jonathan Rhys Meyers, Penelope Wilton, Mark Gatiss, Alan Oke

Director: Woody Allen

Que Woody Allen es uno de los genios de nuestro tiempo lo sabe todo el mundo; que de vez en cuando y debido principalmente a su ubicuidad nos obsequia con algunos filmes "de relleno", también. Y la etapa inglesa de hace unos años (donde rodó un par de filmes como "Scoop" y este "Match Point", ambos con Scarlett Johansson) no se iba a librar de tal estigma, con la peculiar vuelta de tuerca que supone el hecho de que el muy publicitado y dramático largometraje que nos ocupa resulta ser el eslabón más débil, y su hermana menor -la mencionada "Scoop", una comedia policíaca con el mismo Allen de coprotagonista en uno de sus mejores papeles- la cenicienta que al final se lleva el premio. No es que "Match Point" sea una mala película, ni mucho menos; sólo el reparto ya es merecedor de la atención -a pesar de que no se aproveche del todo a un Brian Cox que aporta presencia a su papel, y que Rhys Meyers abuse de su cara de palo a lo Keanu en muchos momentos-, con una Emily Mortimer casi perfecta y una Scarlett Johansson que hace crecer a su personaje y le da una profundidad insospechada al inicio del filme. La puesta en escena es brillante, aprovechando todos las paradojas de la alta sociedad británica, la doble moral y la ingenuidad tras el poder y la riqueza, en muchos casos; el punto de partida, con el joven aparentemente íntegro e ideal que se ha hecho a sí mismo desde la nada, y que poco a poco y conforme progresa va oscureciéndose, está tremendamente bien desarrollado; incluso, el factor de azar como regulador inmisericorde de las vidas y destinos es perfectamente plausible. ¿Y qué es lo que falla, entonces? En primer lugar, una excesiva duración, haciéndose algo repetitivas las costumbres y subtramas; en segundo lugar, algunos momentos poco cuidados en forma (como por ejemplo el hecho de que un profesor de tenis que ha sido profesional apenas muestre un mínimo de estilo al golpear la bola, o la excesiva confianza que se muestra al inicio entre el protagonista y su alumno de la alta sociedad); en tecer lugar, los intentos -sobre todo hacia el final del metraje- de introducir prácticamente con calzador la comedia en forma de dos policías que maldita la necesidad que había; por otro lado, el giro final de los acontecimientos le da un mayor empaque al filme, consiguiendo que el azar vuelva a ser protagonista principal del argumento, y redondee la obra final. Buena historia, quizá lastrada por un exceso de insistencia en algunos momentos, y que permite disfrutar de la interpretación a lo largo de tado el desarrollo, a pesar de que quede la sensación de una película menor.

LO MEJOR: la ambientación típicamente británica, la interpretación de Scarlett Johansson y Emily Mortimer, y el no llegar a conclusiones obvias dejando espacio al azar.

Los Mitos de Cthulhu (Breccia/Buscaglia)

2011-11-18T13:51:00.001+01:00

Nominado al Premio Patrimonio de la Historieta, Festival Internacional de Angoulême 2005 El universo turbador de H.P. Lovecraft encuentra en las imágenes de Alberto Breccia su perfecta traducción visual. El dibujante argentino adapta algunos de los relatos más conocidos del genio de Providence, y el resultado es un libro deslumbrante preñado de nítidas visiones de pesadilla.

Los mitos de Cthulhu (Ediciones Sins entido), la interpretación de Alberto Breccia de los famosos relatos de H.P. Lovecraft es, sin duda, la mejor de las adaptaciones de la obra del escritor que se ha hecho a cualquier otro medio, porque es la que mejor refleja los escenarios de pesadilla, habitados por seres de otras dimensiones, que poblaban la obra del popular escritor.

Alberto Breccia (1919-1993)

Y es una de las obras de arte del Cómic con mayúsculas. Por lo que es un lujo poder volver a disfrutar de esta nueva edición remasterizada que respeta los blancos, negros y, sobre todo, grises, de la obra de Lovecraft y Breccia.

Una obra gráficamente inigualable que demuestra que Breccia entendió mejor que nadie al famoso escritor de terror porque consiguió diseñar lo invisible a base de tramados mecánicos, collages, efectos ópticos y otras técnicas impensables en un cómic. Consiguió retratar la atmósfera que emanaba de los insanos mundos de Lovecraft.

2º Edición

Formato: 23x30 cm
Encuadernación: Cartoné
Páginas: 124
ISBN: 978 84 96722 91 0

Nominado al Premio Patrimonio de la Historieta, Festival Internacional de Angoulême 2005 Selección de Ilustración, Premio Daniel Gil de diseño editorial 2004

Una obra vital para los aficionados al maestro de Providence, y un punto de partida excelente para los no iniciados en la mitología y terror tan peculiares de H.P. Lovecraft; así podría resumirse la reedición casi 40 años después de su publicación original que Ediciones Sins Entido ha hecho de los relatos adaptados al cómic por Buscaglia y magistralmente dibujadas por ese trazo inigualable de Breccia, quien mantiene la atmósfera opresiva, onírica y de terror inabarcable que viene de las estrellas, del escritor que inauguró una nueva manera de narrar el miedo. Es de destacar el extremo ciudado que se ha puesto en la representación de las criaturas y sucesos antinaturales de las historias, donde el dibujante afirmaba que quiso dejar abierto el aspecto a la libre interpretación de la mente del lector, de ahí esas masas informes de tonos de gris, el empleo de técnicas de collage o difuminados imposibles, ángulos incoherentes...en fin, todo aquello que el propio Lovecraft tan bien sabía manejar en sus relatos originales, y que Breccia ha conseguido plasmar con total maestría en una simbiosis perfecta entre el texto y la iconografía. Definitivamente, la adaptación con mayúsculas de Lovecraft al cómic, y una lectura obligada por cuanto tiene de histórico, de arte y de placer por su lectura. Inmejorable.

LO MEJOR: fidelísima adaptación y grafismo de lujo para una obra que merecía una adaptación y edición a la altura de su relevancia. Casi equivalente a los relatos originales.

30 Días de Oscuridad

2011-11-18T13:26:00.001+01:00

En Barrow, un remoto pueblo de Alaska, durante 30 días de cada invierno el Sol no sale y la noche ocupa todo el día. Ese es el momento en el cual aparece un misterioso grupo de extraños: vampiros sedientos de sangre, listos para tomar ventaja de la ininterrumpida oscuridad y alimentarse de los pocos residentes que permanecen en el pueblo. El comisario de Barrow, Eben (Josh Hartnett), su esposa Stella (Melissa George) y un decreciente grupo de sobrevivientes deberán hacer lo que sea para resistir hasta que reaparezca la luz del día. Basada en la novela gráfica de Steve Niles y Ben Templesmith.

Reparto: Josh Hartnett, Melissa George, Danny Huston, Ben Foster

Basado en la primera serie limitada de la trilogía de Barrow, este "30 Días de Oscuridad" adapta a la gran pantalla el cómic de Ben Templesmith "30 Días de Noche", algo que se esperaba prácticamente desde su publicación, debido al dinamismo y desarrollo del cómic, y a la avidez con la que la industria cinematográfica fagocita nuevas ideas. Lástima que la original premisa argumental del magnífico cómic de Niles y Templesmith (recomiendo encarecidamente a todo aquel que no lo haya leído que ponga remedio inmediatamente: merece muchísimo la pena, así como sus dos secuelas que completan la trilogía) se diluya aquí en un experimento de serie B, entretenido y a ratos que mantiene en vilo al espectador -no podía ser de otro modo con la trama del cómic original-, pero que pasa sin pena ni gloria y se convierte en un entretenimiento de usar y tirar, bonito mientras dura, pero que no acaba de cuajar como la obra de la que bebe. Y es que una cosa es el lenguaje cinematográfico en el cómic y otra su traslación al celuloide, donde el resultado no es el esperado en muchos casos, como el que nos ocupa. Hay que destacar algunos aspectos, como el ambiente de desasosiego y claustrofóbico que transpira el metraje, y esos vampiros que se muestran totalmente sádicos, crueles y aterradores; la ambientación es otro punto fuerte, y no hay que olvidar que se ha respetado la truculencia original de las viñetas; lo malo es que el conjunto no acaba de cuajar, y llega a hacerse un pelín pesada y falta de ritmo incluso, aparte de algunas situaciones no del todo bien resueltas y que resultan inverosímiles. Para resumir, cumple para una tarde lluviosa de Domingo, pero poco más.

LO MEJOR: la ambientación y los vampiros como deben ser; el polo opuesto de Crepúsculos, Lunas Nuevas y demás engendros.

Firma de libros de Carlos Sisí y presentación de "Hades Nebula" en la Casa del Libro

2011-11-13T13:09:00.001+01:00

Junto a Carlos Sisí, en la firma tras el encuentro

El sábado 5 de Noviembre, a las 19:30 de la tarde, tuvo lugar un encuentro y firma de libros en la librería La Casa del Libro con Carlos Sisí, autor de la trilogía de "Los Caminantes", un libro que me ha hecho caer en el género zombi como no pensé que podía engancharme a estas alturas; el encuentro sirvió, además de para poder preguntarle por todo lo que pasara por nuestras cabezas, para conocer a una persona estupenda, afable y enamorada de su oficio, un escritor como la copa de un pino dentro del género fantástico, y deleitarnos con detalles como sus anécdotas de la inspiración de algunos personajes (su cuñado, por ejemplo), sus "meteduras de pata" promocionales provocadas por su bizoñez en estas lides, o su admiración por Stephen King desde que leyó las primeras páginas de una de sus novelas...en resumen, una tarde fantástica donde además de pasar un rato magnífico pude llevarme firmado el tercer volumen de la trilogía, un "Hades Nebula" que estoy deseando empezar, y pude intercambiar una palabras para poder felicitar justamente a un escritor que espero siga dándonos muchas más alegrías...

...y la dedicatoria en mi ejemplar de "Hades Nebula"

The Wallflowers "Bringing Down The Horse" (1996)

2011-11-13T12:46:00.001+01:00

Tracklist: 1. One Headlight 2. 6th Avenue Heartache 3. Bleeders 4. Three Marlenas 5. The Difference 6. Invisible City 7. Laughing Out Loud 8. Josephine 9. God Don't Make Lonely Girls 10. Angel On My Bike 11. I Wish I Felt Nothing

Recuerdo que este disco fue un regalo de mis padres por mi cumpleaños en 1996, un Septiembre especialmente lluvioso que hizo que el sonido y las letras de este disco quedasen asociadas por siempre a lluvias de otoño incipiente, hojas caídas y tardes nubosas paseando por el parque al lado del puerto; y es que este primer disco de los Wallflowers (llegarían otros más, pero este es el único que me merece la pena) es casi perfecto para escucharlo de principio a fin en estas fechas...un sonido crujiente guitarrero con toques de melancolía en algunos temas ("Angel On My Bike", "Three Marlenas", la preciosa "Invisible City" o "Josephine") y otra vertiente más rockera con temas como los singles "One Headlight" y "The Difference" o "God Don't Make Lonely Girls", donde casi puedes cerrar los ojos y sentir la distorsión de los amplificadores en un frío local de ensayo en el Bowery de Nueva York a través de las notas de la canción...y en el resultado tiene mucho que ver la voz susurrante y ligeramente ronca de Jakob Dylan (sí, el hijo de Bob, que además toca la guitarra rítmica y compone), que a modo de un Eddie Vedder neoyorquino es la cara y voz de este grupo de rock alternativo americano, que con este disco demostraron aunque fugazmente estar en estado de gracia.

LO MEJOR: "One Headlight" e "Invisible City" representan las dos caras del sonido de este disco, un álbum otoñal y melancólico para escuchar en días fríos y nubosos.

"Elder Sign Omens", versión para Android y iPhone de "El Símbolo Arcano"

2011-11-13T12:29:00.001+01:00

Desde la web de Fantasy Flight Games nos llega la noticia de la publicación para plataformas móviles (Android y iPhone) de la adaptación del juego de cartas "El Símbolo Arcano" (Elder Sign), en forma de rol-aventura gráfica. Las primeras imágenes tienen una pinta estupenda, y los vídeos ponen los dientes largos; en ambas plataformas ya puede descargarse (en inglés, eso sí) desde Android Market o iTunes respectivamente.

Los primeros comentarios que pueden leerse hablan maravillas del juego, aunque parece haber un problema conla visualizacion de los vídeos introductorios y tutoriales...afortunadamente ya estoy descargando en Android la aplicación, y en breve comentaré las primeras impresiones de jugabilidad, ambientación, etc...como muestra, ahí va el vídeo promocional:

"El Símbolo Arcano", nuevo juego de cartas basado en Arkham Horror

2011-11-13T12:17:00.001+01:00

¡Un mal del más allá ha entrado en el museo!

A lo largo de la historia del museo, los visitantes se han visto atraídos por su colección sin igual de objetos antiguos y curiosidades exóticas de lugares lejanos. Pero en 1926, horrores inimaginables del más allá amenazan con usar estos artefactos como medio de entrada en nuestro mundo, trayendo el fin de la humanidad. ¡El reloj va a dar la campanada de medianoche y un pequeño grupo de valientes investigadores registran a la desesperada las salas de mármol en busca del legendario símbolo que mantendrá seguro nuestro mundo! El Símbolo Arcano...

En El Símbolo Arcano, de 1 a 8 jugadores asumen el papel de investigadores que intentan combatir a uno de los Primigenios, enormes y poderosas criaturas que habitan el espacio interdimensional. Lanzando dados especiales, los jugadores afrontarán aventuras dentro del museo y en sus alrededores, pues éste se ha convertido en el foco de estas extrañas criaturas. El valor y la habilidad de los investigadores les otorgarán recompensas, siendo el símbolo arcano la más valiosa de todas ellas, pues es un extraño signo que se usa para sellar la entrada del Primigenio a nuestro mundo, y ganar la partida. Sin embargo, el tiempo no deja de correr y cada medianoche que pasa la llegada del Primigenio está más cerca. Si los investigadores tardan demasiado en sellarlo, ¡el Primigenio despertará y la humanidad estará condenada con casi total certeza!

Inspirado por la obra de H. P. Lovecraft, El Símbolo Arcano es un juego cooperativo de suspense y terror para 1-8 jugadores mayores de 12 años que puede jugarse en 1-2 horas.

Anunciado hace unas semanas por Edge, se encuentra en preparación este nuevo juego de cartas ambientado en la mitología lovecraftiana; básicamente, y hasta tener más noticias, parece ser una especie de "Arkham Horror con cartas", de tal manera que la acción se desarrolla en los alrededores del museo de Arkham, y comparte con el anteriormente mencionado juego de tablero algunos de los personajes y la mecánica del juego de turnos en los cuales se deben ir cerrando portales para evitar que despierte el Primigenio. Desconozco el mercado al que va dirigido, ya que Arkham Horror parece un producto lo suficientemente sólido y asentado como para conseguir que los jugadores habituales se pasen al sucedáneo de cartas, y aquellos habituados a los LCG ya cuentan con "Call of Cthulhu El Juego de Cartas", así que permaneceremos atentos a nuevas noticias...

"Los Nuevos MItos De Cthulhu", a la venta el 9/11/11

2011-11-13T12:13:00.001+01:00

Edge Entertainment presenta Los nuevos mitos de Cthulhu, una selecta antología de intranquilizadores relatos, inspirados en los Mitos de Cthulhu y la eterna obra del maestro del terror cósmico: H.P. Lovecraft.
Dioses primordiales olvidados por la memoria del hombre, poderes sobrenaturales, cultos primitivos, ritos espantosos, saberes prohibidos, libros arcanos, tenebrosos sucesos y seres del espacio exterior recorren las páginas de sus textos. Variedad de elementos para componer una única trama: «Todos mis relatos, por muy distintos que sean entre sí, se basan en la idea central de que antaño nuestro mundo fue poblado por otras razas que, por practicar la magia negra, perdieron sus conquistas y fueron expulsadas, pero viven aún en el Exterior, dispuestas en todo momento a volver a apoderarse de la Tierra.»

Así, al alinearse las estrellas o producirse la dislocación del tiempo y del espacio por cualquier otro medio, se abren grietas en la realidad, fisuras por las que escapa el horror. En ese momento, malignas entidades sempiternas, tras eones de profunda espera, se adentran en nuestro plano de existencia para atormentar y enloquecer a los abrumados mortales.

Y es que la humanidad no es más que un simple peón en el infinito tablero de ajedrez del universo en el que los dioses libran su particular batalla.

En medio de todo ese caos, hemos modelado nuestra pequeña esfera ordenada para tratar de permanecer al margen de tales sucesos, aferrándonos a la ciencia y tachando de superstición cualquier intento de lo desconocido por aflorar en nuestro plano de existencia. Pero la tranquilidad que proporciona la ciencia es un espejismo: aunque nos neguemos a admitirlo, nuestro mundo y nuestra civilización están permanentemente amenazados y abocados a un terrible e inevitable final. Dado que nuestro conocimiento del universo es limitado y está repleto de lagunas, ahí es donde entra en juego la mitología, para dar una posible respuesta a la pregunta de por qué el hombre y el mundo son como son. Así quiso hacerlo H.P. Lovecraft con sus Mitos de Cthulhu… Y así lo hacemos nosotros ahora desde Nocte, la Asociación Española de Escritores de Terror, con estos Nuevos Mitos de Cthulhu, un compendio de narraciones que pretenden rendir homenaje al maestro del horror.

Entregando el esfuerzo de sus plumas —hoy digitales— a la memoria del solitario y excéntrico soñador de Providence, un total de 14 autores, representantes del terror patrio, proponen un nuevo acercamiento a Lovecraft desde una óptica diferente, conservando en algunos casos el estilo original del maestro y, en otros, innovando completamente en fondo y forma para ofrecer historias atrevidas, vanguardistas e, incluso, desenfadadas, pero siempre originales y sorprendentes. Se trata, además, de una antología creada expresamente para la prestigiosa editora de juegos Edge Entertainment, que se embarca ahora también en la aventura literaria con una línea de libros ambientados en el universo de los Mitos, abriendo con ello las puertas a todas esas criaturas de tiempos pretéritos y sombras que se arrastran en la oscuridad de las noches sin luna.

Éste es el tributo conjunto de Nocte y Edge Entertainment a ese genio de lo misterioso y lo macabro, amante de la soledad, que vivió una segunda vida en sus sueños y nos dejó sus mitos para convertirse en mito él mismo. Porque, en su morada de Providence, Lovecraft, muerto, aguarda soñando...

Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio

2011-10-31T11:06:00.002+01:00

Basada en los indomables personajes, queridos en todo el mundo, creados por Hergé, la historia sigue al curioso e insaciable joven periodista Tintín (Jamie Bell) y su leal perro Milú cuando descubren que la maqueta de un barco contiene un secreto explosivo. Arrastrado por un misterio centenario, Tintín se encuentra en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine (Daniel Craig), un diabólico villano que cree que Tintín ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero con la ayuda de su perro Milú, el mordaz y cascarrabias capitán Haddock (Andy Serkis) y los torpes detectives Hernández y Fernández (Simon Pegg y Nick Frost), Tintín viajará por medio mundo, siempre yendo un paso por delante y siendo más astuto que sus enemigos en una persecución para hallar el lugar donde finalmente descansa "El Unicornio", un navío hundido que puede contener la clave de una cuantiosa fortuna... y de una antigua maldición.

Desde alta mar hasta la arena de los desiertos del norte de África, cada giro inesperado arrastra a Tintín y sus amigos a niveles más irrefrenables de emoción y peligro, demostrando que cuando alguien se arriesga a perderlo todo, no existen límites para lo que pueda llegar a hacer.

Reparto: Jamie Bell, Andy Serkis, Gad Elmaleh, Daniel Mays, Toby Jones, Simon Pegg

Director: Steven Spielberg

Qué recuerdos de la primera infancia leyendo en las mañanas de verano "El Loto Azul" o "El Asunto Tornasol", o ir con mi padre a la Biblioteca para pasar un rato por la tarde con "El Cetro de Ottokar", "La Isla Misteriosa" o "El Templo del Sol"...Tintín es uno de esos personajes que se merecían una película a lo grande, y como no podía ser menos, aquí está: Peter Jackson y Steven Spielberg al mando de las operaciones, un personaje más que clásico, unos cómics míticos y con innumerables seguidores de varias generaciones...la adaptación de Tintín al celuloide era un caballo ganador mucho antes de realizarse. Si además contamos con las más avanzadas técnicas de infografía -mediante las cuales personajes de imagen real son "caricaturizados" y adaptados a un 3D espectacular, donde hasta los poros de la piel se pueden distinguir, tenemos una película que es un auténtico bombazo.

Ciñéndonos al guión, es evidente que no hay mucho margen de maniobra si se quiere respetar el cómic original, con lo que las inclusiones son mínimas -y siempre sin chirriar en el conjunto-, y las licencias que se han tomado en el rodaje están muy diseminadas aquí y allá; algún que otro homenaje a la serie de cómic -las latas del cangrejo con pinzas de oro, el periódico con el loto azul...-, una trama basada en uno de los álbumes que más juego podían dar ya que cuenta con segunda parte (ya en proyecto) y la posibilidad de incluir a la práctica totalidad de los secundarios ilustres completa el cuadro. En cuanto al desarrollo, es cierto que a priori el adaptar el ritmo del tebeo original al noveno arte se aprecia como una tarea más o menos fácil -principalmente por el paso casi cinematográfico de las viñetas originales-, pero a pesar de un tufillo a lo Indiana Jones (muy de agradecer, por cierto) que se le escapa a Spielberg, el resultado es más que satisfactorio; únicamente se le podría achacar al filme el que en algunos momentos se hace algo largo (es el precio que hay que pagar para dejarlo todo bien atado), pero es un mal menor dentro de un conjunto que hará las delicias de prácticamente tres generaciones sin pecar de compleja ni infantil.

LO MEJOR: impresionante caricaturización de los personajes, historia dinámica y ¡Tintín!...lástima que Haddock (jádoc) ahora se pronuncie "Addók"...

JLA/Vengadores (Busiek/George Pérez)

2011-10-22T13:38:00.003+02:00

Por separado, son los mayores héroes del mundo; nobles campeones entregados a la defensa del bien. Juntos, son La Liga de la Justicia de América... ¡Y no se rinden ante ningún enemigo ni mal!

Y llegó un día como jamás se vio, en el que los héroes más poderosos de La Tierra se unieron contra una amenaza común. Éste fue el día en que nacieron Los Vengadores... ¡para combatir a aquellos enemigos a los que ningún héroe en solitario podría hacer frente!

Durante los más de cuarenta años de existencia de la JLA y Los Vengadores, miles de acontecimientos y personajes se han ido añadiendo a la leyenda de ambos grupos. Kurt Busiek y George Pérez los han incorporado en esta obra con habilidad absoluta, tanta, que no hace falta conocerlos para disfrutar del cómic. Primero fue una miniserie y ahora Planeta DeAgostini Cómics ofrece la recopilación de JLA / Vengadores en un libro de lujo con un compendio de material inédito.

Edición original: JLA/Avengers Collector´s edition USA

Fecha de edición: julio de 2007

Guión: Kurt Busiek

Dibujo: George Pérez

Tinta: George Pérez

Color: Tom Smith

Formato: Libro cartoné, 288 págs.

Para todo aficionado al cómic de superhéroes, esta es una compra casi obligada...¿cuántas veces en nuestra infancia habermos discutido si era más fuerte Supermán o Thor, si más inteligente Batman o el Capitán América o más rápido Flash o Mercurio? Pues en este volumen que recupera una miniserie de hace algunos años donde colaboraron las dos majors del cómic estadounidense se responden esas y otras preguntas, así como también se puede disfrutar plenamente (en sentido literal, con la magnífica edición Absolute) de los dos grupos de héroes más famosos. Tamaña obra se ha encargado a dos autores que conocen bien el mundillo: un Kurt Busiek que ha batallado guiones en Marvel durante muchos años, y un George Pérez que sencillamente es fue posiblemente el mejor dibujante de los 80 en el cómic de superhéroes por su trabajo en DC; analizando la obra, nos encontramos con una historia quizá algo falta de originalidad -búsqueda de objetos de poder que enfrenta inicialmente a ambos grupos-, pero que cuadra en el aspecto universal y sensación de "más grande que la vida" que es inherente a un encuentro entre los buques insignia de ambas casas del cómic (Marvel y DC, nada menos); sin embargo, es el el desarrollo donde brilla la mano de Busiek, consiguiendo que un inicio aparentemente simple e incluso infantil derive en una epopeya de proporciones cósmicas con las consecuencias. Mención aparte merece el enorme trabajo de documentación a la hora de trenzar paralelismos entre ambos universos, la continuidad editorial de las colecciones, e incluso el papel de los secundarios y villanos de la trama. Por otro lado, tenemos el apartado gráfico donde aqui no hay discusión: si hay alguien tenía que homenajear a los cómics de una época (los años 80) en la que los enfrentamientos a nivel estelar y las reuniones de héroes para enfrentar una amenaza épica (fueron los años de Secret Wars, Crisis en Tierras Infinitas, Legends o La Saga de Fénix, entre muchas otras) tuvieron su apogeo, ese debía ser George Pérez; y aquí hay que reconocer el talento de este magnífico dibujante, con un trazo deudor de esa época que consigue espectaculares viñetas a toda página (aqui sí que se disfruta una edición Absolute), legendarios enfrentamientos de personajes, dinámicos planos de encuentros superheroicos...en fin, todo lo que un aficionado desde la infancia ha deseado ver plasmado en un cómic. Para completar el tomo, una introducción que firma el ubicuo Stan Lee, algunas páginas de los bocetos originales, tentativas, cronología del desarrollo, entrevistas, y demás parafernalia que colmarán las satidfacciones de los más completistas. Yo me quedo con el disfrute de una obra que funciona como un perfecto y delicioso ajuste de cuentas con mi infancia...¡Vengadores, Reuníos!

LO MEJOR: grandísimo dibujo, buena historia y personajes míticos, todo en un sólo cómic y en una edición espectacular...¿se puede pedir más?

Green Lantern

2011-10-22T13:06:00.005+02:00

En un universo tan vasto como misterioso, durante siglos ha existido un pequeño cuerpo especial pero poderoso. Protectores de la paz y la justicia, se llama El Cuerpo de los Linterna Verde (Green Lantern Corps). Es una hermandad de guerrilleros que han jurado mantener el orden intergaláctico. Cada Linterna Verde lleva un anillo que le confiere superpoderes. Pero un nuevo enemigo llamado Parallax amenaza con destruir el equilibrio del poder en el Universo, mantener ese equilibrio y el destino de la Tierra están en las manos del recluta más reciente, el primer humano que ha sido seleccionado: Hal Jordan.

Hal es un piloto de pruebas, con talento y algo chulito, pero los de la Linterna Verde sienten poco respecto por los humanos, que nunca jamás han aprovechado los poderes infinitos que da el anillo. Pero está claro que Hal es la pieza que faltaba en el puzzle. Junto con su determinación y su voluntad, tiene una cosa que ningún miembro del Cuerpo ha tenido nunca: humanidad. Si, con la ayuda de su piloto colega y eterna novia Carol Ferris, Hal puede llegar a dominar rápidamente sus nuevos poderes y encontrar la valentía para superar sus temores, puede que no solo sea la clave para derrotar a Parallax... sino que llegaría a ser el miembro más importante de los Linterna Verde.

Reparto: Ryan Reynolds, Mark Strong
Productor: Grant Major

Tal y como le prometí a Folken, fuimos a ver la adaptación a la gran pantalla del "héroe esmeralda" -hortera apodo que recibía en los 80 el personaje de la DC Comics- a pesar de que no me atraía mucho la idea; Noetila y Lady Protocol nos acompañaron en una tarde calurosa de verano para cumplir con lo pactado. ¿Y qué nos encontramos? Pues una película que parece más dirigida a un público infantil, con un argumento bastante lineal y predecible, diálogos y personajes más bien planitos y un humor de protagonista que maldita la gracia que hace...Debo reconocer que es un personaje que no acabó nunca de engancharme (aún conservo en mi colección algunos cómics del personaje en los 80, e incluso tuve en mi infancia un muñeco Green Lantern, pero una vez pasada esa época dejó de tener interés el tema de los "Green Lantern Corps", los "Guardianes de la Galaxia" y los "Anillos de Poder"), pero es que la película no ayuda mucho a aumentar la respetabilidad del personaje. Sí, hay efectos especiales, explosiones, chistes y frases de chulito que a cualquiera con menos de 15 años seguro que hacen gracia...pero poco más; un filme que pasó sin pena ni gloria por la taquilla estadounidense y que aquí se estrenó con algo de retraso para coincidir con la época estival tan proclive a blockbusters, y que a pesar de entretener sin muchas pretensiones se hace algo pesado y manido. Es cierto que es difícil innovar en las adaptaciones de cómics -hay que respetar el bagaje del personaje, derechos de autor, publicaciones anteriores...-, pero posiblemente se podría haber hecho algo más con el personaje si la intención era una película que aplaudiera alguien más que los niños de la sala.

LO MEJOR: es difícil buscar algo que destaque, una película del montón y que no ayuda a remontar a DC frente a Marvel en la carrera por la pantalla grande.

Rocksmith, el nuevo juego para tocar la guitarra de verdad

2011-10-22T12:40:00.001+02:00

Desde hace unos días (concretamente desde el martes 18/10/2011) está disponible en diversas plataformas el nuevo juego rockero de Ubisoft: "Rocksmith", una especie de "Guitar Hero" donde al igual que en éste, trataremos de interpretar con mayor o menor fortuna las notas de éxitos de la historia del Rock...¿y dónde está la novedad? Pues que en este caso no contamos con un interfaz de plástico que simula una guitarra eléctrica, sino que el hardware incluido con el juego permite al usuario enchifar directamente su propia guitarra eléctrica al ordenador/consola y jugar (tocar) directamente con ella...obviamente, el sonido va a venir implementado por el propio juego (es decir, nada de ecualizar tu guitarra a lo Slash, David Gilmour o Brian May para tocar, por ejemplo, un tema de los Rolling Stones), pero no deja de tener su gracia, y al parecer sí que es posible modificar el sonido con pedales virtuales que incluye el juego.

Imagen del juego

Por otro lado, desde la compañía oficial no dejan de repetir que se trata de un innnovador método para aprender y mejorar la técnica de guitarra del usuario (el eslógan en inglés, con un bonito juego de palabras intraducible por las dos acepciones del verbo "play", es "The More You Play, The More You Play" -"Cuanto más juegues, mejor tocarás"-). Al parecer, la lista inicial de temas incluídos para poder tocar es limitada, pero prometen ir ampliándola, posiblemente en forma de compras on-line tan de moda. De entrada hay algunos peces gordos como Rolling Stones, Bowie, Cream, Velvet Revolver, Nirvana, Tom Petty o los Queens Of The Stone Age...

El pack de Epiphone

Al parecer, este juego trata de desmarcarse de la conocida polémica que rodeaba a los juegos tipo "Guitar Hero" o "Rock Band", a los que se acusaba de "alejar" de los instrumentos reales a los usuarios, al emplear interfaces con botones y teclas que nada tenían que ver con la sensación de tocar una guitarra o una batería de verdad; publicaciones del mundo guitarrístico como "Guitar World" ya se han apresurado a bendecir el producto, así como algunos artistas. Y a rebufo de esto, la compañía de guitarras Epiphone (filial de la archiconocida Gibson) se ha apresurado a sacar a la venta un exclusivo pack que incluye todo listo para aprender a jugar y tocar la guitarra; incluye una Les Paul Junior, cables, y una copia del juego.

Y he aquí un simpático vídeo promocional con un bebé que toca con su papi el "I Got Mine" de los Black Keys...¡Metal!

Lista completa de canciones incluídas para tocar:

The Animals House of the Rising Sun

Best Coast When I’m With You

The Black Keys I Got Mine

The Black Keys Next Girl

Blur Song 2

The Boxer Rebellion Step Out Of The Car
David Bowie Rebel Rebel
Cream Sunshine Of Your Love
The Cribs We Share The Same Skies
The Cure Boys Don't Cry
Interpol Slow Hands
Jenny O Well OK Honey
Lynyrd Skynyrd Sweet Home Alabama
Nirvana In Bloom
Nirvana Breed
Pixies Where Is My Mind?
Radiohead High and Dry
Red Fang Number Thirteen
The Rolling Stones (I Can’t Get No) Satisfaction
The Rolling Stones The Spider and the Fly
The Rolling Stones Play With Fire
Silversun Pickups Panic Switch
Spoo nMe and The Bean
Stone Temple PilotsVasoline
Taddy Porter Mean Bitch
Titus Andronicus A More Perfect Union
White Denim Burnished
The White Stripes Icky Thump
Yellow Moon Band Chimney
Dan Auerbach I Want Some More
Eric Clapton Run Back To Your Side
Franz Ferdinand Take Me Out
Incubus I Miss You
Kings of Leon Use Somebody
Lenny Kravitz Are You Gonna Go My Way
Little Barrie Surf Hell
Muse Unnatural Selection
Muse Plug In Baby
Queens of the stone age Go With The Flow
Rapscallions California Brain
Sigur Ros Gobbledigook
Stone Temple Pilots Between The Lines
The Dead Weathe rI Can't Hear You
The Horrors Do You Remember
Soundgarden Outshined
The Strokes Under Cover Of Darkness
Tom Petty and The Heartbreakers Good Enough
Velvet RevolverSlither

Web oficial

Talismán

2011-10-16T21:33:00.001+02:00

En Talismán, eres un aventurero dispuesto a emprender un peligroso viaje en busca del tesoro definitivo: la legendaria Corona de Mando. Puedes elegir entre ser un guerrero, un sacerdote, un mago, un elfo, un asesino, y hasta una docena de diferentes héroes, todos ellos con habilidades y poderes únicos.

Pero el camino hasta la Corona de Mando es traicionero. Dicen las leyendas que los únicos amuletos capaces de mantenerte a salvo en las peligrosas tierras más allá del Portal de Poder son los misteriosos Talismanes. Así que reúne todo tu coraje, porque lo necesitarás si quieres superar a todos tus rivales, llegar hasta la Corona de Mando, y alcanzar tu glorioso destino.

Vuelve el mítico título de Games Workshop a nuestras mesas de juego en su cuarta edición. Este juego de tablero de fantasía se presenta con nuevas ilustraciones, pero con un aspecto que recuerda al añorado Talisman que tantas horas de diversión proporcionó a toda una generación de jugadores.

Talismán es un legendario juego de tablero que ha entretenido durante más de 15 años a muchisimos jovenes de todo el mundo. ¡Lleva la fantasía a tu mesa de juego!

Duración: 90 minutos

Jugadores: 4 - 6

Edad: 10+

El tablero de juego de Talismán

Resulta que en una de mis visitas hace una semana a una de las tiendas de rol, cómics y frikadas varias encontré de oferta el juego de tablero de Talismán por ¡20 euros!; la ocasión la pintaban calva, así que al momento adquirí la preciada caja que contiene el juego precursor de tantos otros ambientados en lejanas tierras pobladas por extrañas criaturas, magos, elfos y dragones...al dia siguiente la Demonio Blanco y yo estuvimos ordenando componentes y ojeando las instrucciones, y ayer por la noche estrenamos junto a Hefestión y mi hermana el juego. Dinámico y fácil de aprender...la verdad es que el juego (aunque no llegamos a terminar la partida por un ataque de sueño de la Demonio Blanco -sospechamos que fingido al ir perdiendo y encima ser transformada en sapo-) entretiene a rabiar, y las risas están aseguradas por el hecho de ser altamente competitivo -los personajes se pueden atacar unos a otros o establecer comercio, alianzas...- y permitir numerosas estrategias. Para aquellos que nunca hayan oído hablar del juego, podríamos resumirlo en que es una especie de "Juego de la Oca" mezclado con dungeoncrawling, donde tiene cabida la mala leche de "Munchkin", la dinámica de un "Arkham Horror" o los toques pseudoroleros de un "Heroquest"...lo mejor es probarlo, ahora que como dicen en "Juego de Tronos" se acerca el invierno y hay tardes lluviosas de fin de semana, junto a un grupo de amigos en torno a una mesa y una cena a base de pizzas, showarmas o sucedáneos...la diversión está asegurada.

Contenido de la caja

Reglas del juego

Sonisphere Festival 2011 (Getafe, Madrid 15/7/2011)

2011-10-16T20:55:00.000+02:00

Lugar: Getafe Open Air
Fecha: 15 julio 2011
Asistencia: 30.400 personas
Conciertos: The Darkness, Slash, Arch Enemy, Sôber, Gojira, Valient Thorr, Angelus Apatrida, Bullet

Desde mi debut el año pasado con el Rock In Rio Madrid, el acudir a un festival de verano se va a convertir en una tradición, y este año el elegido ha sido el Sonisphere; un cartel matador a un precio imbatible (37 euros por ver a Slash con Myles Kennedy, The Darkness, Arch Enemy y Sober es de risa), un fin de semana en Madrid con la Demonio Blanco y amigos, y la oportunidad de visitar a mi amigo Jorgemadriles todo en uno. Del memorable fin de semana no voy a comentar más, eso se queda para todos nosotros, pero del Sonisphere hay mucho que contar...

Tras almorzar la expedición con Jorgemadriles,Raquelilla y Jorgito (y disfrutar posteriormente de la hospitalidad de su casa), nos plantamos a eso de las 18:30 en las proximidades del pinar que rodea al Getafe Open Air, con toda una tarde y noche por delante de Rock a todo trapo; conforme nos acercábamos al recinto e íbamos cruzando la zona de acampada, ya se iba viendo la afluencia de cabezas peludas y trapitos negros característica de este tipo de sonidos: mucha pinta de emo-metaleros, y ¡sorpresa! mucha camiseta de Angelus Apatrida -el grupo que tratamos de evitar a causa del calor que pegaba a esas alturas de la tarde-. Enormes colas para acceder a la acreditación de acampada que solventamos entrando directamente al recinto...y aquí ya se puede decir que estamos en un festival: carpas esponsorizadas, puestos de comida, un mercadillo de camisetas, pins, y memorabilia rockera, explanadas habilitadas para el descanso...y al fondo el escenario donde los Valient Thorr reventaban sus enormes stacks Marshall a pecho descubierto con su Hard Rock sureño...con tamaño despliegue de virilidad rockera como música de fondo, nos dedicamos a explorar todo el recinto, recorrer los puestos, ocasionales fotos y vistazos al escenario en los momentos álgidos del show de los Valient Thorr...y varios refrescantes paseos por la carpa de microgotas pulverizadas.

Una vez recorrido el recinto y comprados tickets para comida y bebida -originalísimos: los "billetes" son más o menos predecibles, pero las "monedas" son púas de guitarra serigrafiadas con algunos de los participantes en esta y otras ediciones del festival...ni que decir tiene que me quedé con una de Slash, y la Demonio Blanco no resistió la tentación de quedarse con una de Alice In Chains-, era el turno de ver el apocalíptico final de los Valient Thorr (en la más honrosa tradición del Rock, a pecho descubierto, posturones y poses típicamente metaleros, mucho pelo y sudor, y los amplificadores atronando para despedirse de una audiencia contenta de disfrutar de uno de los momentos obligados en todo concierto rockero que se precie: el grupo destroyer, descerebrado y tremendamente divertido).

Es el turno de los siguientes invitados: los franceses Gojira, que haciendo honor a su nombre -la versión original japonesa de "Godzilla"- descargaron un potente aunque limpio thrash metal más que digno, algo repetitivo cuando llevaban un rato pero con algunos momentos muy originales -arpegios con tapping, alternancia de dinámicas- salpicados aquí y allá; entre el público, muchos seguidores de la banda y algún grupo de francesitos que fue a ver al grupo pero que a esas horas (serían las 20:00-20:30) ya estaban tan borrachos que de poco se enteraban. Y es curioso, pero entre tanta gente de todo pelaje -y nunca mejor dicho-, pocos eran los que daban la nota. Volviendo a los Gojira, un sonido bastante bueno, un frontman muy animado con el público y una parte frontal del escenario que literalmente idolatraba a la banda. Nosotros disfrutamos del concierto en una de las zonas de césped a los laterales del recinto, a la sombra -que vaya calor hacía- y sin maltratar mucho nuestros oídos, que luego ya se llevarían lo suyo...resumiendo, una de las sorpresas agradables.

Y tras los Gojira, otro de los platos fuertes del día para una gran mayoría del público: los Arch Enemy, la banda de los hermanos Amott y la vocalista Angela Gossow, que con su Death Metal melódico son uno de los grupos de más tirón internacional ahora mismo dentro del metal. Con una introducción impresionante, y anocheciendo a lo largo de su show, fueron unos de los triunfadores de la jornada; a nosotros nos parecía increíble que del cuerpecito aparentemente frágil y delicado de Angela Gossow pudiera salir esa voz que parece surgir de lo más profundo de los infiernos...qué miedo; después del shock inicial -no es lo mismo escuchar a los Arch Enemy en disco que en impactante vivo, os lo aseguro- y varias canciones, decidimos ir de expedición a la zona de comida para comprar algo de cena mientras escuchábamos de fondo a los Arch Enemy y echábamos vistazos ocasionales al show, pero algo más alejados para proteger nuestros tímpanos...

Ya con la noche plenamente establecida y la luna bien alta, salieron al escenario Sôber, una de las bandas que a mi juicio mejor sonido tuvieron en todo el festival; a los Escobedo se les nota la profesionalidad con un saber estar en las tablas, un dominio del escenario y, de nuevo, un sonido nítido que es de agradecer. La lástima es que la empatía con un público que no es el suyo dejó bastante que desear, y a pesar de que estuvieron agradeciendo el apoyo casi después de cada tema, se les veía algo fuera de lugar. A pesar de todo, muy buen concierto donde sonaron los imprescindibles éxitos junto a temas nuevos, que disfrutamos tranquilamente mientras nos zampábamos unos bocadillos como mi antebrazo.

Tras los Sôber, un nuevo cambio de escenario y nos fuimos acercando a la zona central, cerca de la mesa de sonido, buscando una ubicación envidiable para el plato fuerte de la noche: Slash. Una vez establecidos, los nervios por ver al mítico guitarrista de los Guns N'Roses se palpaban entre el público; comentarios y un recinto lleno a más no poder revelaban que lo gordo estaba por venir...

Setlist:
1.Ghost 2.Mean Bone 3.Sucker Train Blues 4.Nightrain 5.Rocket Queen 6.Civil War 7.Back From Cali 8.Promise 9.Nothing To Say 10.My Michelle 11.Slither 12.Sweet Child O' Mine 13.Paradise City

Y con las luces apagadas comienza la hora y media de éxtasis rockero que nos llevó a ver por fin a un músico que ha hecho historia con una de las mejores bandas de rock y que sigue dándolo todo en disco y en vivo...poco importa que aunque se especuló que Fergie (cantante de los Black Eyed Peas, que canta en el disco en solitario del guitarrista y cuya banda tocó también en Madrid el día antes) podría hacer un par de temas con Slash -a quien le une una amistad de años- no apareciera; "Ghost", de su último disco homónimo fue la elegida -al igual que en el LP- para abrir el concierto, con un Myles Kennedy emulando más que bien al vocalista original del tema, el cantante de los Cult Ian Astbury...tras el subidón inicial, dos temazos tralleros que desplegaron toda la artillería guitarrera clasicona de Slash ("Mean Bone", de su proyecto Slash's Snakepit, y "Sucker Train Blues" de Velvet Revolver) mientras Myles Kennedy se iba haciendo con el público con su buen hacer, su absoluta falta de pretensiones egomaníacas y su vozarrón -uno de los mejores vocalistas de Rock en este momento, sin duda; "vaya pedazo de cantante se ha agenciado el tío de la chistera" era una de las frases más recurrentes tars el concierto-; cuando todo estaba ya bien calentito y nosotros no nos podíamos creer lo que estábamos viviendo, llegó el "aún más increíble": comienza a sonar "Nightrain" del "Appetite for Destruction" y el respetable se vuelca ya del todo con la banda y el guitarrista, que continúa con un "Rocket Queen" también del "Appetite..." y un "Civil War" que abría el "Use Your Illusion pt.2" también de su antigua banda Guns N'Roses, que Kennedy borda con su absoluto dominio de las cuerdas vocales y que el público acompañó con mecheros encendidos, móviles o lo que fuera...tras lo cual "Back From Cali" que el mismo Kennedy cantaba en el disco en solitario del guitarrista nos enseñó por qué fue el elegido para acompañarlo en la gira; para mi gusto, otro de los grandes momentos del concierto, con Slash rellenando con su característico sonido lleno de alma de su Les Paul los resquicios de los acordes..."Promise" y "Nothing To Say" nos conducen magistralmente al tercio final del concierto, que se inicia con los arpegios ligeramente saturados de Slash en "My Michelle" de nuevo del "Appetite..." y se lleva otra de las ovaciones, para pasar a otro temazo, de los mejores que grabaran Velvet Revolver: "Slither", que fue además la carta de presentación de esta grandísima banda que ahora mismo se encuentra en un raro stand-by, y que sonó como si le fuera la vida en ello a los músicos: pirotecnia pentatónica gentileza de Slash en el solo mientras la base rítmica mantenía el pulso del tema y Kennedy jaleaba al entregado público para que acompañara con los "Eh!" en las paradas iniciales de la canción...y a partir de aquí el cielo se abrió sobre nuestras cabezas y comenzó la epifanía musical que puso el colofón a un conciertazo de una leyenda de la guitarra y del Rock: ante el delirio del respetable, comienza la archiconocida introducción de "Sweet Child O'Mine", la madre del cordero, el riff de todos los riffs de Guns N'Roses...el delirio colectivo, la entrega absoluta si quedaba aún alguien por hacerlo, el público volcado cantando hacia lo alto cada uno de los versos de la canción, que Myles Kennedy hizo suya vocalmente, sin que nadie, absolutamente nadie, echara de menos a Axl...definitivamente el momentazo del concierto, que tanto la Demonio Blanco como yo disfrutamos como si no hubiera un mañana...pero todo tiene que acabar, aunque poniendo el listón altísimo con otro tema mítico que cerraba todos los conciertos de Guns N'Roses desde sus inicios cuando eran Guns N'Roses y no Axl Rose Entertainment: con ese "Paradise City" que es un auténtico himno del Rock hecho para cantar en un concierto, coreado a voz en grito por todos los que sabíamos que estábamos viviendo algo inigualable, irrepetible...menuda pedazo de banda y vaya grandísimo músico; sólo por esto ya merecía la pena haber pagado la entrada.

LO MEJOR: ver al fin a una de mis leyendas en vivo; disfrutar temazos como "Sweet Child O'Mine" o "Paradise City" entre el público mientras en el escenario Slash saca petróleo guitarrístico de su Les Paul es una experiencia impagable...irrepetible.

Tras el subidón de Slash y Myles Kennedy, y a horas intempestivas -ya eran las 2 y media de la madrugada o así- llegó el momento de cerrar el festival a lo grande: con el esperadísimo retorno de una de las mejores bandas británicas de Rock que surgieron en el nuevo milenio, y que tras fenomenales discos se separaron por disputas entre los dos hermanos que son el núcleo del grupo...no, no me refiero a Oasis y los Gallagher, sino a The Darkness y los hermanos Justin Hawkins (voz, guitarra y posturones) y Dan Hawkins (guitarra, coros). Con una gran parte del público retirándose del recinto tras el conciertazo de Slash & co., y con otra gran parte de los que se quedaron con cara de no saber muy bien cómo tomarse la actuación de los ingleses, los que amamos a este grupo por recuperar un sonido y una actitud que estaban perdidas en el Rock disfrutamos como enanos de todo el histrionismo, derroche de riffs y simpática chulería de la banda, con un buen saber estar sobre un escenario envidiable; sonaron todos sus temas clásicos, un repaso a los dos discazos que han editado -y según el propio Justin confirmó en el concierto, se prepara un tercero-, cambios de traje de Justin a cuál más glam y pomposo pero extrañamente adecuado al espíritu de la banda, un Frankie Poullain al bajo que es un cruce entre Hendrix y el bajista de Spinal Tap, unos agudos sobrenaturales de Justin y unos solos tremendos, un sonido retro pero plenamente auténtico y unas ganas de fiesta que hicieron el más difícil todavía: levantar al público cansado a esas horas y tras todo un cabeza de cartel como Slash...y vaya si lo hicieron. Grandes momentos del concierto a montones, pero "I Believe In A Thing Called Love", la potente "Black Shuck", "Love Is Only A Feeling" (o el raro arte de cómo tocar una balada y conseguir que el público siga saltando; memorable la lluvia de confetti), "Growing On Me", "One Way Ticket To Hell" o la final "Love On The Rocks With No Ice" con la coreografía entre banda y público fueron momentos para recordar. Puro espectáculo y entretenimiento. Un conciertazo que puso un broche de oro a la jornada de Sonisphere, y que nos dejó un excelente recuerdo mientras nos volvíamos a coger los autobuses que nos llevarían de vuelta al centro de Madrid y a continuar el fin de semana...pero eso ya es otra historia...

Amaral "Hacia lo Salvaje" (2011)

2011-10-16T20:10:00.001+02:00

Tracklist: 1. Hacia Lo Salvaje 2. Antártida 3. Si Las Calles Pudieran Hablar 4. Esperando Un Resplandor 5. Robin Hood 6. Riazor 7. Montaña Rusa 8. Olvido 9. Cuando Suba La Marea 10. Como Un Martillo En La Pared 11. Hoy Es El Principio Del Final 12. Van Como Locos

Precedido de un aura de rompedor, guitarrero y novedoso se presentaba el nuevo disco de los maños Amaral, una grabación imbuída -según las luminarias periodísticas de este país- del "espíritu del 15-M" (sea lo que sea eso) por el hecho de haber coincidido en tiempo y espacio con la plataforma asentada en la Puerta del Sol (el estudio donde se registró este álbum se encuentra muy cerca de dicho lugar). Imposible abstraerse de ideas preconcebidas por lo tanto; lo que nos ocupa ahora es desgranar la obra del dúo. Y es justo reconocerles el esfuerzo por querer seguir creciendo, por querer alejarse de su última obra de estudio, el archiconocido "Gato Negro, Dragón Blanco" que acabó por incrustar al grupo entre lo más granado del Pop-Rock estatal merced a sus temas absolutamente redondos, absoluto éxito de crítica y público; en este "Hacia lo Salvaje" (primer toque de atención: el título está inspirado en el libro de Jon Krakauer "Hacia Rutas Salvajes" -"Into The Wild" en el original) se ha tratado de huir de temas más obvios, mientras que se incide en áreas más introspectivas ("Antártida", "Si las calles pudieran hablar", "Riazor"), lo cual hace que el disco se torne más "adulto" y por ende, menos accesible al gran público. Por otro lado, el sonido del disco es más áspero, no diríamos tanto más "guitarrero" como crudo, contribuyendo a la dificultad inicial y accesibilidad para los oídos acostumbrados a la radiofórmula; todo ello hace que probablemente esta colección de canciones no goce del mismo reconocimiento que la obra precedente. En justicia, hay que agradecer las ganas de innovar -dentro de su estilo; no hay que olvidar que esto es Pop Rock al fin y al cabo-, pero el resultado es un disco que deja frío de inicio, pues no hallamos los ganchos evidentes en otras entregas del grupo; no quiero decir que sean canciones de menor entidad, pero es la sensación que queda al escuchar el disco completo: algunos retazos muy estimables, pero dentro de un conjunto de canciones de perfil bajo; quizá sea necesario asentar el disco en el tiempo, pero me temo que repetidas escuchas no van sino a confirmar el hecho de que el nuevo trabajo de Amaral es uno de esos discos menores que aparecen a lo largo de la carrera de la mayoría de las bandas, trabajos que son más importantes para la evolución de los músicos que para el público, reservados para completistas o entregados.

LO MEJOR: la crudeza del sonido en algunos momentos, la sensación de búsqueda de libertad en la lírica, y el espíritu contestatario que repta bajo las notas musicales.

El Curioso Incidente del Perro a Medianoche (Mark Haddon)

2011-10-06T18:22:00.000+02:00

El curioso incidente del perro a medianoche es una novela que no se parece a ninguna otra. Elogiada con entusiasmo por autores consagrados como Oliver Sacks e Ian McEwan, ha merecido la aprobación masiva de los lectores en todos los países donde se ha publicado, además de galardones como el Premio Whitbread y el Premio de la Commonwealth al Mejor Primer Libro. Su protagonista, Christopher Boone, es uno de los más originales que han surgido en el panorama de la narrativa internacional en los últimos años, y está destinado a convertirse en un héroe literario universal de la talla de Oliver Twist y Holden Caulfield. A sus quince años, Christopher conoce las capitales de todos los países del mundo, puede explicar la teoría de la relatividad y recitar los números primos hasta el 7.507, pero le cuesta relacionarse con otros seres humanos. Le gustan las listas, los esquemas y la verdad, pero odia el amarillo, el marrón y el contacto físico. Si bien nunca ha ido solo más allá de la tienda de la esquina, la noche que el perro de una vecina aparece atravesado por un horcón, Christopher decide iniciar la búsqueda del culpable. Emulando a su admirado Sherlock Holmes —el modelo de detective obsesionado con el análisis de los hechos—, sus pesquisas lo llevarán a cuestionar el sentido común de los adultos que lo rodean y a desvelar algunos secretos familiares que pondrán patas arriba su ordenado y seguro mundo.

Deliciosa primera novela de Mark Haddon, que se lee de un tirón y te deja con una enorme sonrisa en la cara; una historia que, aparentemente sin pretensiones, consigue hacer que el lector vivencie el mundo de la misma manera que su protagonista y narrador en primera persona, un adolescente con un trastorno del desarrollo congnitivo -en ningún momento se desvela su patología, aunque se intuyan Síndrome de Asperger, Autismo...-, e incluso entendiendo sus "manías", costumbres y modismos, y su manera de ver el mundo. Y es que lo que parece algo intrascendente se revela como toda una aventura para Christopher, haciendo aún más grande la historia que se nos muestra; una narración con frases cortas, contínuas referencias a situaciones y personas relevantes para el protagonista, y la inclusión aquí y allá de aclaraciones aparentemente superfluas pero que cobran todo su sentido en la trama se conjuntan para hacer de esta una lectura amena y con enjundia. Muy recomendable.

LO MEJOR: lo entrañable y empático que resulta el protagonista, y el buen hacer de Haddon para conseguir hacer de las tareas del día a día una aventura tan amena.

Alta Fidelidad

2011-10-06T17:52:00.001+02:00

En esta comedia romántica y mordaz, John Cusack protagoniza a Rob Gordon, el dueño de una tienda de discos de Chicago al borde del cierre: sólo vende discos antiguos, de los de vinilo. Rob Gordon es un verdadero fanático de la música, y se pasa el tiempo con sus dos chalados empleados, el lunático Barry y el tarado Dick. Pero el negocio de Rob no es lo único que esta haciendo aguas en su vida: la relación con Laura, su novia de siempre, va mal y acaba dejándole. A partir de este momento, Rob empieza a reflexionar sobre sus desengaños amorosos y lo que significa para él la felicidad.

Director: Stephen Frears

Reparto: John Cusack, Iben Hjejle, Todd Louiso, Jack Black, Lisa Bonet, Catherine Zeta-Jones, Joan Cusack, Tim Robbins, Chris Rehmann

Una deliciosa manera de pasar una tarde de cine es darle una oportunidad a esta cinta, adaptación fidelísima del libro homónimo de Nick Hornby, y auténtico retrato generacional. Comedia con un poso dramático que no llega a oscurecer en ningún momento el tono general del filme, tiene como principal vehiculo y pretexto la música pop, para irnos mostrando un abanico de reacciones, sensaciones y anhelos plenamente humanos -el haber respetado la narración en primera persona del protagonista de la novela le da ese toque de confidencia, de charla de bar, que nos acerca a los personajes y nos los hace coetáneos-; incluso, alguno de los actores se identifica plenamente con su personaje (Jack Black probablemente sea el más evidente...me niego a creer que yo sea el único que se lo imaginó interpretando a Barry mientras leía el libro). Precioso despliegue de emociones y relaciones, con todo lo que ello conlleva, que tiene en su banda sonora, al igual que en el libro, un apoyo enorme para el desarrollo. Si os gustó el libro, la película no os defraudará; si no habéis leído a Hornby aún ¿a qué esperáis? y luego podéis ver la película...

LO MEJOR: más que aceptable adaptación del libro, la película consigue el mismo tono de comedia con trasfondo que Hornby tan acertadamente narró.

El Señor del Tiempo (Louise Cooper)

2011-10-02T11:48:00.002+02:00

El Señor del Tiempo es una trilogía compuesta por El Iniciado (1985), El Proscrito (1986) y El Orden y el Caos (1987) escritos por Louise Cooper y pertenecientes al género de la literatura fantástica. El libro contiene referencias a un enfrentamiento primigenio entre las fuerzas de la Orden y las fuerzas del Caos, de cuyo resultado se generó el mundo en el que viven los protagonistas.

La trilogía tiene su raíz en una novela previa de Cooper, Lord of No Time.

Tarod, un chiquillo con unas capacidades mágicas excepcionales, es llevado junto a los sacerdotes de Aeoris, el sumo dios del Orden, donde es instruido y aprende a dominar su poder. Pasados los años, Yandros, la personificación del Caos se le aparece, revelándole que su destino es ser el vehículo que traerá de nuevo el Caos al mundo. Los sacerdotes de Aeoris, frente a la terrible revelación de la verdadera naturaleza de Tarod, deciden ejecutarlo. Tarod viaja en el instante en que la espada del verdugo se cierne sobre su cabeza hasta el mismo foco del Tiempo, donde consigue detener su paso. Tarod se encuentra encerrado entonces en un limbo del que no puede escapar. Un warp, una terrible tormenta de Caos, arrastra a Cyllan, una mujer con poderes psíquicos y a Drachea, el heredero de un margraviato hasta el interior del limbo donde Tarod se encuentra prisionero. Al regresar el tiempo, Tarod, aún no resignado con su terrible destino, decide presentarse ante el mismo Aeoris. El dios del Orden debe comprender que no es culpable de ser quien es. Tarod, en espera de la redención, se presenta ante el dios, quien le condena por ser un monstruo del Caos. Entonces, le será revelada su auténtica naturaleza, que precipitará el enfrentamiento de las fuerzas del Orden y del Caos.

(tomado de Wikipedia).

Precedida por un halo de bestseller desde su publicación, y con seguidores acérrimos en todas partes del mundo, la trilogía publicada en los 80 por Louise Cooper es una lectura obligada para los aficionados a la fantasía literaria, y me atrevería a decir que para todo lector en general. Entrando en materia, si bien no estamos, como algunos exaltados quieren hacernos creer, ante lo mejor que se ha publicado desde "El Señor de los Anillos" de Tolkien, sí que es un libro con un planteamiento de lo más original, y una interesante vuelta de tuerca al clásico enfrentamiento del "Orden contra el Caos" -que no es lo mismo que decir, como se expresa en la obra, el "Bien contra el Mal"-. Personajes sólidos, que reaccionan, sienten y viven de manera totalmente plausible -teniendo en cuenta el marco fantástico en el que nos movemos dentro de la trilogía-. Sin embargo, algunos lunares manchan el impecable tejido de la narración: por un lado, el excesivo peso romántico del personaje de Cyllan, que remeda a la tendencia de la época de las escritoras de genero fantástico y de terror -donde la infame Anne Rice ocupa el lugar de dudoso honor- de novelas con turbulentas pasiones que se convierten en el objetivo y no el medio de la trama; por otro, la sensación de excesiva lentitud en la narración en algunos momentos, que llevan a pensar que quizá una trilogía es demasiado para esta historia, y que una novela hubiera resultado más adecuada para contar lo que se cuenta, sin tanta parafernalia...en fin, que cada uno saque sus conclusiones, porque eso significa que se le ha dado una oportunidad a una novela que lo merece, y que al contrario que otros libros de usar y tirar, es capaz de suscitar controversia y debate.

LO MEJOR: el original planteamiento de la dicotomía Orden/Caos.

Hellboy: Los Lobos de San Augusto (Mike Mignola)

2011-10-01T11:05:00.000+02:00

Es cierto que la colección de Hellboy, como cualquier cómic en serie regular, pasa por mejores y peores momentos, pero este sin duda es uno de los grandes; no por casualidad es la primera historia de Hellboy en solitario publicada por su autor, y la frescura del principio se nota. Tanto es así, que para todo aquel que no haya leído nada del demonio más famoso del cómic creado por Mike Mignola, este es el punto ideal para empezar (incluso antes que el primer número "cronológico"): todo aquí está cuidado para hacer una obra en cómic memorable, desde el estilo gráfico marca de la casa con poderosos entintados y predominantes sombreados, hasta personajes secundarios con gancho, pasando por una ambientación pseudoonírica que es uno de los sellos del personaje, una trama hechizante que atrapa desde el principio, o unos antagonistas a la altura del protagonista.

El original de
Mike Mignola

Es en este número donde se puede apreciar lo que Mignola buscaba con su Hellboy, sin la poderosa influencia de John Byrne en los primeros números que se publicaron posteriormente -que no es que sea malo, ni mucho menos, sino tan sólo no tan personal-. En resumen, un magnífico cómic autoconclusivo con una historia con muy buen ritmo y una vertiente gráfica que rinde, como casi toda la obra de Mignola, un homenaje a los años dorados del noveno arte sin perder personalidad en el trazo. Imprescindible.

LO MEJOR: una obra redonda, tanto en guión como en arte, y un buen punto de comienzo para introducirse en el peculiar mundo de Hellboy.

Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte pt.2

2011-09-28T13:06:00.000+02:00

En este final épico, la batalla entre las fuerzas del bien y del mal del mundo mágico se convierte en una guerra a la que nadie es indiferente. Nunca ha habido tanto en juego y nadie está a salvo. Pero es Harry Potter quien puede que tenga que hacer el último sacrificio a medida que se va acercando a su enfrentamiento definitivo con Lord Voldemort.

Todo termina aquí.

Reparto: Emma Watson, Daniel Radcliffe, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter, Gary Oldman, Bonnie Wright, Rupert Grint, Tom Felton, Alan Rickman

Director:David Yates

Tal y como ya se mencionó en la entrada de la primera parte, el capítulo final de la saga del mago gafotas más famoso -y que mas dividendos ha reportado, no lo olvidemos- resuelve, al fin, la trama sin dejar cabos sueltos. Tampoco es que le hiciera falta mucho más, habida cuenta de que, viendo la saga en retrospectiva, poco o muy poco hay para rascar: el argumento general se podía haber contado -sí, soy muy pesado- en, como mucho, una trilogía de esas que están tan de moda, aunque los ingresos no habrían sido tantos y ya sabemos que el objetivo es que el bocado, cuanto más grande, mejor. Dicho esto, resaltar lo predecible del desenlace, lo pesado que se hace el metraje a veces (¿de verdad que era necesario rodar el último libro en dos películas?), la más que esperada "muerte" -vaya chapuza, y encima sin molestarse en justificarlo, con esa escena del Dumbledore etéreo- de Potter, los cuernos del padre de Potter, y el villano de pega que resulta ser el chato de Voldemort -perdón, "Aquel Que no Debe Ser Nombrado"...pfff-. Junto a ello, otros grandes momentos, que los hay, pero a cuentagotas: la escena del dragón encadenado en los sótanos de Gringott, la lucha con la serpiente...el problema es que se diluyen por la sobresaturación de efectismo a lo largo de la saga; si no tuviera el nombre "Harry Potter" bien grande en los carteles, no duraba ni dos películas, pero así es el caprichoso mundo del merchandising; así que aquellos que babean con sólo escuchar la palabra Hogwarts seguirán disfrutando de más de lo mismo -que para qué cambiar vaya a ser que no guste y se fastidie el filón-, y el resto agradeceremos que no haya (esperemos) otra saga para los Potter Jr.

LO MEJOR: la espectacular escena del dragón en los sótanos de Gringott, trepidante.

Los Caminantes (Carlos Sisi)

2011-09-26T14:57:00.000+02:00

Los Caminantes, de Carlos Sisi es un desgarrador relato que recoge los últimos días de la civilización tal y como la conocemos. Tras sobrevivir a la sobrecogedora pandemia que hace que los muertos vuelvan a la vida, los supervivientes se enfrentan a la tarea de llegar al final de cada día. La novela narra con un lenguaje visual y directo cómo los destinos de estos supervivientes se entretejen en torno a un misterioso y macabro personaje: el Padre Isidro. Los Caminantes nos sumerge en un entorno de indecible presión psicológica, explorando la oscuridad del alma humana a medida que se enfrenta a sus peores pesadillas.

En el campamento de Carranque, treinta supervivientes han construído un refugio para mantener alejada la locura de sus vidas. Tienen armas, y aunque esa tarea les agota y les mina psicológicamente, con ellas recuperan cada día un pequeño trozo de la ciudad. Mientras tanto, Isabel envía notas de socorro desde un ático situado en la Plaza de la Merced, pero las notas, arrastradas por el viento, caen perezosamente sobre los rostros de los muertos congregados abajo sin que nadie les haga caso. Málaga ha muerto, sí, pero el prometido descanso eterno no llega nunca para sus habitantes: sólo la negra letanía del sordo rumor de sus gargantas muertas, una canción arrastrada que resuena en todas sus avenidas, en todas sus calles. Por ellas camina también el Padre Isidro, con los ojos velados en una enfermiza locura. Los muertos le cuidan. En su mano lleva una de las pequeñas notas pulcramente manuscritas, y sabe exactamente a dónde dirigirse.

Gran éxito de crítica y de ventas, Los Caminantes es un referente en la literatura del género en España.

Una novela de terror, de zombies, ambientada en Málaga. Un autor que se da a conocer con esta primera obra. ¿Demasiadas cosas que pueden salir mal? Si, pero ninguna de ellas en este caso: "Los Caminantes" es un pedazo de libro, una novela que cuenta con una historia original dentro del manido género de los muertos vivientes, narrada con una prosa ágil y cinematográfica, y con unos personajes que fácilmente suscitan nuestras simpatías -y odios-, pero con unas reacciones ante el horror plenamente creíbles. Carlos Sisi ha conseguido con su primera novela plantear un escenario y unos personajes que dan para mucho, sin dar en ningún momento la impresión de "estirar el chicle" y siempre con la sensación de que está disfrutando tanto como el lector. A lo largo de toda la narración, se irán desgranando las relaciones que unen y separan a los personajes, sus motivaciones, sus miedos...con un estilo y un pulso que mantiene la ansiedad por la amenaza constante, y que provoca que sea prácticamente imposible dejar de leer. Un acierto que tiene continuidad en su secuela "Necrópolis", y que tengo en mi estantería a punto de devorar...

LO MEJOR: el magnífico dominio de la acción, unido a la original ambientación en mi ciudad, Málaga, que hace todo más cercano...y aterrador.

Alice In Chains "MTV Unplugged" (ed.vinilo) (1996)

2011-09-26T14:38:00.000+02:00

Tracklist: 1. Nutshell 2. Brother 3. No Excuses 4. Sludge Factory 5. Down In A Hole 6. Angry Chair 7. Rooster 8. Got Me Wrong 9. Heaven Beside You 10. Would? 11. Frogs 12. Over Now 13. The Killer Is Me

Cuando Laney Staley (voz), Jerry Cantrell (guitarra, voz), Mike Inez (bajo) y Sean Kinney (batería) aceptaron grabar una actuación en directo para el programa "MTV Unplugged" en 1995, pocos se imaginaban que llegaría a ser considerada como la mejor interpretación que se ha grabado en toda la historia del programa; la íntima, visceral, y emotiva interpretación del cuarteto de sus "éxitos" -si se les puede llamar así- junto a momentos más oscuros -si cabe- de su discografía es uno de los puntos álgidos de su carrera, junto al imprescindible "Dirt" y su última grabación "Black Gives Way To Blue", ya sin el malogrado Staley. Y precisamente la edición musical de esta actuación que nos ocupa es lo último que grabó el cantante con su banda, antes de que los demonios de la depresión y las drogas lo condujeran a su amargo y previsible final, lo cual confiere aún más valor a este testimonio sonoro; aquí se encuentra una de las más desgarradoras interpretaciones que un grupo de Rock puede dar en un formato desnudo de estridencias pero vestido con las mejores telas de sentimiento que nunca se vio en ese escenario. La música de Alice In Chains, despojada de sus capas de electricidad, no pierde sin embargo su fuerza sino que ésta se sublima en una amalgama de emociones -rabia, melancolía, deseo, esperanza- que enriquece el repertorio discográfico de la banda. Las interpretaciones de "Would?", "Down In A Hole", "No Excuses" o "Brother" cobran una dimansión épica, y la conjunción de voces de Staley y Cantrell no hace sino ganar en matices en el formato acústico, haciendo de este disco una adquisición imprescindible. Mi eterna gratitud a este regalo de cumpleaños que después de años de quemar el CD puedo disfrutar ahora como se merece en vinilo.

LO MEJOR: lo bien que suena cualquier tema de Alice In Chains despojado de todo artificio, pero "Down In A Hole", "Would?" y "Rooster" son desgarradoramente emotivas.

Neonomicon (Alan Moore y Jacen Burrows)

2011-09-12T13:29:00.000+02:00

¿Qué pasa cuando la prosa y el ingenio de Alan Moore se cruzan con el terrorífico universo creado con Lovecraft? Pues así a priori, que estaremos ante una obra indispensable para los amantes del cómic fantástico y de terror, ‘Neonomicon’, una miniserie guionizada por el inefable barbudo e ilustrada por Jacen Burrows.

La relación de Moore con Lovecraft comenzó allá por 1994, cuando el de Northampton escribió una historia corta para un recopilatorio en homenaje al torturado escritor. Esa historia se transformaría casi una década después en un cómic, que aunque pasaría bajo la supervisión de Moore, fue realizado por el guionista Antony Johnston y, una vez más, el dibujante Jacen Burrows. Aquel cómic, titulado ‘The Courtyard’ y publicado en España bajo el sello de Aleta, nos contaba la historia de un agente del FBI que investigaba tres extraños asesinatos acaecidos en Red Hook y que aparentemente no guardaban relación entre sí. La historia de esta nueva serie continuará los hechos narrados en ‘The Courtyard’ (incluída ál principio de este tomo), aunque si bien Neonomicon se enlaza con los hechos de The Courtyard, quienes no hayan leído esta última no van a tener ningún problema en seguir la historia. El inicio nos encuentra con la protagonista, la Agente Brears del FBI, quien, en una escena que remite claramente a "El Silencio de los Corderos" se dirige junto con su compañero a interrogar a un asesino en serie cuyo modus operandi está siendo imitado. A partir de ese momento, la Agente Brears irá paulatinamente descubriendo las conexiones entre los asesinatos y la obra de Lovecraft, conexiones que van mucho más allá del presente y pasado inmediato, y que se remontan a las primeras décadas del siglo XX.

Norma Cómics acaba de publicar lo que es el último trabajo de Alan Moore, alejado del mainstream americano y centrado en hacer básicamente lo que le da la gana; y resulta que el genio que revolucionó el noveno arte ahora ha decidido homenajear a su amado Lovecraft y regalarnos una convulsa, desazonadora y ratos onírica historia con base en los Mitos de Cthulhu, aunque por supuesto bajo el personal prisma del barbudo inglés. Como resultado está este "Neonomicon", cuyo nombre no podría ser más acertado, ya que supone una actualización de la cosmología clásica del de Providence, con todos sus elementos de insana desrealización, asfixiante paranoia y desasosegante descubrimiento contrapuestos de manera magistral a una cruda imaginería que no por actual deja de ser inquietante. Y este es uno de los puntos fuertes de la obra: Moore no omite nada, toda la crudeza se nos enseña e incluso se exhibe lascivamente a modo de provocación, contribuyendo aún más si cabe al homenaje estilístico a H.P., incluyendo al lector en la espiral de depravación, desesperanza y horror con el descubrimiento tan característica de los relatos del autor de los Mitos, aunque se puedan rastrear otras influencias en la atmósfera del cómic (son evidentes las literarias y cinéfilas con sabor a Clive Barker y sus dicotomías dolor/placer, o incluso musicales: "The Downward Spiral" de Nine Inch Nails haría una banda sonora perfecta).

Jacen Burrows contribuye con un estilo ágil, directo a los intestinos cuando hay que hacerlo, y en inquietantes perífrasis gráficas el resto del tiempo, una tendencia similar a otros pintores del horror en el cómic como Gabriel Rodríguez; esta conjunción narrativa y visual es capaz de retrotraer hasta sentimientos atávicos ocultos en las profundidades del inconsciente y provocar un escalofriante y a la vez placentero deleite al pasar las páginas de esta obra y acompañar en su particular viaje a los infiernos a la agente Brears.

Alan Moore, versión Lego

LO MEJOR: sabor Lovecraftiano con un magistral desarrollo y riqueza de trasfondo. El resultado es la combinación perfecta de desasosiego, onirismo, crudeza, y por fin placer por la lectura.

El Asombroso Mauricio y sus Roedores Sabios (Terry Pratchett)

2011-09-12T12:32:00.000+02:00

Una versión políticamente incorrecta de un cuento universal. Esta obra fue pensada por Terry Pratchett como iniciación para el público juvenil al Mundodisco, su desternillante e inteligente mundo paralelo. En ella da un nuevo giro al cuento de El flautista de Hamelín, consiguiendo divertir a los más jóvenes y conquistar con su inteligencia e irreverencia a los adultos. Un gato parlanchín y sin demasiados escrúpulos «engatusará» a un ingenuo flautista con la intención de forrarse. Entretanto, un grupo de ratas, después de devorar viejos libros de hechizos y restos de pociones mágicas, han empezado a hablar y, lo que aún es peor, ¡a pensar! Esta peculiar asociación entre un felino aprovechado, un músico lelo y una banda de roedores con dilemas éticos, desencadenará un sinfín de situaciones alocadas e hilarantes, genuinamente «pratchettianas».

Un buen tiempo después de haber pasado por mis manos en el original, me decidí a releer este cuentecillo del maestro Pratchett en su edición en español como lectura de verano; como casi todo el mundo sabe, Sir Terry tiene en su haber algunos libros dedicados al público juvenil (la trilogía de los gnomos, "Nation", o la serie de Johnny Maxwell son dos ejemplos) y el Mundodisco no iba a ser menos: aqui tenemos la fantástica trilogía -por ahora- de Tiffany Aching o esta versión retorcida del clásico cuento del Flautista de Hamelin. Si bien este es el punto de partida inicial -un gato inteligente y sibilino que, ayudado por un clan de ratas que han desarrollado la capacidad de pensar debido a comer lo que no debían en las cercanías de la Universidad Invisible, y un chaval apocado y con pinta de tonto que dan una vuelta de tuerca a la historia de los cazarratas-, la trama poco a poco se va separando acertadamente de este limitado argumento para ir derivando en una historia más clásica del Mundodisco, con sus giros y personajes aparentemente normales y banales que son empujandos a la acción y que tan bien domina el escritor. Quizá lastre al libro un lenguaje algo infantil, pero de lo que sí se puede estar seguro es de que un adulto va a disfrutar incluso más los perversos juegos de palabras, los momentos más oscuros y, sí, aterradores, y toda la panoplia de seres que pueblan y viven en las frases de un escritor que maneja con pulso firme el timón de la narrativa, dándole aire a la historia cuando es necesario y empujando vertiginosamente en los momentos clave, consiguiendo que lo que parecía ser una inofensiva lectura de estío se convierta en un proyectil hacia las visceras que sin embargo incita a que nos levantemos pidiendo más.

LO MEJOR: Mauricio, un gato con visión mercantil. Un libro para niños que disfrutarán los padres.

Bad Company "Bad Co." (1973) (ed.vinilo)

2011-06-15T17:51:00.000+02:00

Tracklist: 1. Can't Get Enough 2. Rock Steady 3. Ready For Love 4. Don't Let Me Down 5. Bad Company 6. The Way I Choose 7. Movin' On 8. Seagull

De las cenizas de Free (otro gran grupo del que algún día comentaré algo), Paul Rodgers formó Bad Company como un supergrupo integrado por él mismo a las voces y piano, Simon Kirke (compañero en Free) a la batería, Mick Ralphs (ex-Mott The Hoople) a la guitarra y Boz Burrell (ex-King Crimson) al bajo...inmediatamente, los Led Zeppelin los ficharon para su sello Swan Song, y el resultado fue este mítico LP donde no sobra ni una canción; todas formaron parte del repertorio en directo de la banda, e incluso son la base de cualquier recopilatorio del grupo...uno de los mejores debuts de la historia del Rock. Grabado en Headley Grange (Hampshire) en Noviembre del '73 por Ron Nevison, el disco es un perfecto testimonio del blues rock de la época, donde la voz con soul de Rodgers está perfectamente arropada por la crudeza de los riffs de Ralphs y la base rítmica de Burrell y Kirke (¡enorme como suena la batería de este disco!); a la atmósfera del disco contribuyó el hecho de que las voces se grabaron en un descampado cercano por las noches, para captar el ambiente mágico de las sesiones. A pesar de que Paul Rodgers reconoció que el alcohol y la cocaína campaban a sus anchas durante la grabación, es innegable la influencia y la calidad de las composiciones de las 8 joyas que forman el disco. Incluso el diseño de la portada (obra del estudio Hipgnosis, responsable de otras obras maestras de la época como las portadas de Pink Floyd o David Bowie) se dice que tuvo mucho que ver en el diseño de otra obra maestra, el "Back In Black" de los AC/DC. Un disco que representa perfectamente a los 70 y la definición de Rock de estadio. Imprescindible.

LO MEJOR: todas y cada una de las canciones del disco están entre lo mejor de las grabaciones del Rock. Por destacar algo, "Can't Get Enough" (quizás la más conocida), "Bad Company" por su espíritu, "Rock Steady" y "Ready For Love" son dos temazos, "Don't Let Me Down" es una de las mejores baladas de los 70, "Seagull" es un impresionante solo de Rodgers...y prácticamente ahí va el disco entero.

The Making Of Pink Floyd's "The Wall" (Gerald Scarfe)

2011-06-13T18:27:00.000+02:00

"The Wall", de Pink Floyd, es uno de los discos más emblemáticos e imaginativos en la historia de la música rock, interminablemente debatido y diseccionado. Se basa libremente en la vida y las experiencias de Roger Waters, y las actuaciones de teatro y cine fueron creados en estrecha colaboración con Gerald Scarfe. Actualmente se encuentran trabajando en la nueva versión del espectáculo. Gerald conserva todas las imágenes y entre el enorme archivo hay cientos de fotografías de la creación, puesta en escena y el rodaje de The Wall, así como las actuaciones en vivo. Roger nos ha permitido reproducir todas las entrevistas y textos relacionados con la producción del álbum, el funcionamientos de la etapa y la película. Este es el libro autorizado y definitivo de The Wall.

Editor: Orion

Fecha de publicación: marzo 2011
ISBN: 9780297863359

Hace unos días, mientras me daba un paseo por una de las sucursales de la celebérrima cadena francesa de música, libros y cine, reparé en el único ejemplar de un libro con una portada que me resultó familiar: eran ilustraciones del disco y la película "The Wall", de los Floyd...en las manos de un tipo que lo hojeaba; no había más remedio que encomendarse a que el susodicho no decidiera comprárselo, y tras esperar unos segundos disimulando mientras hojeaba un libro de fotografías de Metallica por Ross Halfin, al fin el tipolo soltó y pude poner mis manos sobre el ejemplar...para minutos después hacer una compra obligada. Y es que este tomo de tapa dura con solapas es el mejor complemento para el disco, la película o la gira que recientemente trajo a Roger Waters a nuestro país; entrevistas, trozos de las anotaciones a mano originales del montaje, ilustraciones y marionetas, letras de canciones diseccionadas, imágenes de los conciertos de los Floyd y de Waters (tanto en Berlín en el 90 como la gira actual)...un exhaustivo repaso a todo lo que representa el disco y el filme, analizado en todos sus pormenores y con jugosas anécdotas, todo ello regado con miles de fotos e ilustraciones, conducido por el texto del ilustrador y diseñador original (Gerald Scarfe), con la colaboración del autor de la obra (Roger Waters)...un grial para un aficionado a Pink Floyd, y vaya suerte que tuve...

LO MEJOR: la iconografía, y los testimonios de los miembros de la banda.

1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (Robert Lydon)

2011-06-13T18:05:00.002+02:00

La lista definitiva de los mejores discos de la historia, en un recorrido que abarca cincuenta años de extraordinaria música, del rock al pop, del punk al funk, comentados de manera apasionante e incisiva por 90 críticos musicales de prestigio internacional. Desde Whats Going On?, de Marvin Gaye, hasta The Rise and Fall of Ziggy Stardust, de David Bowie, desde los Beatles, hasta The Ramones, este volumen constituye una guía indispensable, informada, inteligente y compacta. Ilustrada con 800 imágenes de cubiertas de discos míticos, grupos y artistas, constituye una obra de referencia obligada para cualquier aficionado a la música. Prefacio de Michael Lydon, cofundador de Rolling Stone.

Autor: Varios Autores

Editor: Grijalbo

Fecha de publicación: marzo 2010

Colección: Diversos

ISBN: 9788425343933

Enorme regalo el que me hizo la Demonio Blanco las Navidades pasadas con este libro, una exhaustiva lista comentada de los discos imprescindibles (tanto por ser los mejores, obras maestras, como por la importancia que tuvieron cuando salieron, o por la influencia que han tenido) de la historia del Rock, desde los 50 hasta hoy. Sí, hay grandes ausencias y otros que ni te imaginarías que están (¿Björk? ¿los Kings Of Leon incluyen más discos imprescindibles que Lynyrd Skynyrd o Guns N'Roses?), pero en conjunto es una muy buena guía de lo que hay que escuchar. El libro está estrtucturado por décadas, y cada entrada consta de la portada y créditos del disco, la lista de canciones (incluyendo información como los singles que se sacaron, la fecha, productores, etc), y una crítica o comentario (algunos realmente inspirados y otros -pocos- que parecen odiar el disco que comentan...en fin). Un libro imprescindible para todo melómano y fetichista del vinilo, obligado aunque sólo sea por las fotos de las portadas de todos esos discos míticos.

Lista de los 1001 discos

LO MEJOR: las portadas de los discos que han hecho historia en el Rock, regadas por comentarios y curiosidades de las grabaciones...si eso no es bastante...

Foo Fighters "Wasting Light" (2011)

2011-06-13T13:33:00.001+02:00

Tracklist: 1. Bridge Burning 2. Rope 3. Dear Rosemary 4. White Limo 5. Arlandria 6. These Days 7. Back & Forth 8. A Matter Of Time 9. Miss The Misery 10. I Should Have Known 11. Walk

A estas alturas del cuento, poco le quedaba por demostrar al bueno de Dave Grohl: ex-batería de Nirvana, colaborador ocasional en Queens Of The Stone Age, miembro del supergrupo Them Crooked Vultures y líder de su propia banda, los Foo Fighters que cumplen 15 años y lo celebran con nuevo disco recién salido del horno, este "Wasting Light". Para su realización, la banda se encerró con Butch Vig (productor, entre otros, de Nirvana o Garbage) y el ingeniero Alan Moulder (colaborador habitual de Nine Inch Nails) y se dió el gustazo de grabar el disco de forma totalmente analógica, sin digitalización de por medio, sino directamente con micrófonos frente a los amplificadores y de ahí a cinta, y editado en formato vinilo. El resultado es probablemente el disco más cohesionado de la banda, crudo, inspirado y maduro a la vez; una excelente colección de canciones que necesitan de más de una escucha para ir creciendo en los oídos del público, pero que cuando lo hacen se muestran en todo su esplendor...guitarras con saturación natural, bajos que retumban en el pecho, baterías totalmente orgánicas...una delicia escuchar música de esta forma; un magnífico repertorio para escuchar en directo a una de las bandas de rock de estadio más en forma.

LO MEJOR: "Rope", el primer single, es uno de los cortes más accesibles; "Burning Bridges" inicia el disco con energía eléctrica; "Dear Rosemary" y "Arlandria" son dos temazos, "These Days" es la herencia continuista del sonido clásico de la banda, y "I Should Have Known" incluye en los créditos la colaboración de Krist Novoselic, ex-bajista de Nirvana.

"American Gods" de Neil Gaiman en TV para 2013

2011-06-13T13:15:00.000+02:00

Parece ser que ya está en marcha la adaptación de "American Gods", la novela de Neil Gaiman, a una serie por parte de la todopoderosa HBO (responsable, entre otras, de la triunfadora de la temporada "Juego De Tronos"). Según parece, Tom Hanks será el productor, y Neil Gaiman se encuentra a la cabeza del equipo creativo, lo cual es una garantía de fidelidad al original.

Las cifras que se manejan son mareantes: 30-40 millones de presupuesto por temporada, para 6 temporadas de 10-12 episodios cada una de aproximadamente de 1 hora de duración, y que comenzarán a emitirse en 2013; además parece ser que la serie no se limitará a la novela, sino que incidirá sobre el rico trasfondo creado en ella. Según Hanks: "Hay locuras planeadas para ello. Probablemente acabemos haciendo más efectos especiales que se hayan hecho para cualquier otra serie de televisión".

X-Men Primera Generación

2011-06-13T13:03:00.000+02:00

La acción del filme se sitúa en los años 60: los inicios de la era espacial y una época rebosante del sentimiento de esperanza del Camelot de JFK. Pero también fue el punto álgido de la Guerra Fría, cuando las crecientes tensiones entre Estados Unidos y la Unión Soviética amenazaban a todo el planeta; y cuando el mundo descubrió la existencia de los mutantes.

También es durante este período cuando Charles Xavier conoce a Erik Lehnsherr. Antes de que Charles (James McAvoy) y Erik (Michael Fassbender) adoptasen los nombres de Profesor X y Magneto, eran dos jóvenes inmersos en el proceso de descubrir sus poderes. Antes de ser archienemigos, eran los más íntimos amigos, que trabajaban juntos y con otros mutantes para detener la mayor amenaza que el mundo hubiera conocido nunca.

Reparto: James McAvoy, January Jones, Rose Byrne, Kevin Bacon

Productor: Gregory Goodman, Simon Kinberg, Lauren Donner, Bryan Singer

Un nuevo episodio de los mutantes más famosos de Marvel, para seguir engordando la lista de adaptaciones al celuloide que están bombardeando últimamente las pantallas (y lo que queda...), en este caso apartándose de lo narrado hasta ahora y mostrarnos una suerte de flashback sobre lo que era y podría haber sido en los inicios de los X-Men. Y muy acertadamente, se nos muestra en una película más oscura que la trilogía previa, con unos personajes con un reverso tenebroso en su mayoría, un Kevin Bacon en concreto muy adecuado como Sebastian Shaw (la inclusión del Club Fuego Infernal es un auténtico acierto) y unos Charles Xavier y Erik Lehnsherr magistrales, manejándose la relación entre ambos con una mano excelente. No hay que olvidar el marco histórico en el que se ambienta el filme, con un trasfondo politico como es la crisis de los misiles de Cuba que entronca sin roces con la paranoia antimutante y el miedo nuclear; todo ello regado con diálogos que nos desvelan a un Charles Xavier más humano (con sus luces y sus sombras: no hay más que ver su relación con Raven Darkholme/Mistica) y escenas de los jóvenes mutantes conforme se van conociendo -y conociéndose a ellos mismos-...y sin abusar de los efectos especiales; a pesar de ser un largometraje de estas características, la naturalidad con la que se incluyen permite respirar a la película, de tal manera que el peso de la narración no es exclusivo de la acción, sino que el ritmo viene marcado por la trama, como debe ser. Todo esto no es óbice para que cuando los efectos son necesarios, son espectaculares (el momento del submarino fuera del agua es para poner los pelos de punta). En resumen, un película que continúa muy dignamente la saga (incluso me atrevería a decir que la mejora) y que ahonda en el rico trasfondo de los héroes más complejos del cómic.

LO MEJOR: la susodicha escena del submarino, y el muy apropiado cameo de cierto mutante que envejece muy lentamente...

Los Nuevos Ultimates (Jeph Loeb y Frank Cho)

2011-06-13T12:30:00.000+02:00

Sólo unos pocos superhéroes sobrevivieron a Ultimatum. Entonces, ¿quién queda para unirse a la reinvención del más poderoso equipo de superhéroes? ¡Es el nacimiento de los Nuevos Ultimates! Con Thor muerto, Loki desata su venganza contra la Tierra y Iron Man debe reunir el mayor número posible de aliados en la mayor aventura del Universo Ultimate hasta la fecha. Jeph Loeb y Frank Cho te ofrecen esta atronadora epopeya.

Cómic 19x28, tapa dura, 136 páginas - color

ISBN: 978-84-9885-666-8

Idioma: Español

Guión: Jeph Loeb

Dibujo: Frank Cho

Color: Jason Keith, Brad Anderson, Matt Milla

Correspondencia Original: Ultimate Comics. New Ultimates 1, 2, 3, 4, 5

Tras la revolución de la saga "Ultimátum" y posterior debacle del Universo Ultimate de Marvel, la linea había salido muy tocada; carente de un plan editorial coherente, la duda estaba en si se volvería a los inicios iconoclastas y frescos de la época Millar-Bendis-Hitch-Kubert y compañía, o si por el contrario se continuaría con la tendencia post-Ultimátum de cómics para adolescentes (o si no ¿cómo se considera el Spiderman de Ultimate?). En el caso de los Ultimates (el equivalente a los Vengadores), la plantilla había quedado muy tocada, y la solución fácil era recuperar a algunos de los "desaparecidos"...y ¿quién mejor que Thor, ahora que está de moda por la adaptación a la gran pantalla? Dicho y hecho, se prepara una saga de 5 episodios que entronque directamente con los Ultimates post-Ultimátum -valga la redundancia-, sacamos del ostracismo a Thor y de paso se recupera a Loki y la trama asgardiana, que siempre dan mucho jugo.

El responsable del guión es un Jeph Loeb muy criticado en muchas de sus maniobras en este nuevo Universo Marvel (Ultimátum no acabó de ser muy bien recibida, a pesar del gran mérito y los arrestos que hacían falta para atreverse a rediseñar la serie Ultimate completamente), y para la parte gráfica tenemos a un inmenso Frank Cho que se luce con sus viñetas a doble página y sus superlativos héroes y heroínas llevados al último extremo gráfico. Todo encaja, aunque no sin fisuras: la serie se deja leer, aunque Loeb prefiere perder lo que le dio frescura a Ultimate, es decir, su novedosa aproximación a los héroes más actualizada y acorde a los tiempos que corren, y se decanta por un pastiche de la continuidad Marvel clásica, asemejando a estos Ultimates a sus homólogos del Universo Marvel clásico en fondo y forma (¿qué ha quedado del Capitán América Ultimate en plan "sargento de hierro"? ¿de un Iron Man que en lugar de ser omnipotente necesitaba un ejército de técnicos detrás para arreglar y manejar la armadura? ¿de un Ojo de Halcón casi psicópata?)...con lo que todo interés futuro por lo que pueda surgir de los Nuevos Ultimates se diluye, quedando la serie como una suerte de spin-off de la serie regular de los Vengadores clásicos, más que una entidad propia. Muy entretenido, sí, y con un dibujo fenomenal, pero de usar y tirar. Lástima de Universo Ultimate...

LO MEJOR: recuperar la "conexión asgardiana" de los Vengadores (digo los Ultimates) y el dibujo de Frank Cho.

El Turista (The Tourist)

2011-06-01T20:26:00.000+02:00

Narra la historia de Frank, un turista americano que viaja a Italia para tratar de recuperarse de un fracaso amoroso. Elise es una extraordinaria mujer que deliberadamente se cruza en su camino. Con el incomparable marco de Venecia como telón de fondo, Frank se deja llevar por la atracción del romance, pero en poco tiempo él y Elise se verán envueltos en un torbellino de intriga y peligro.

Reparto: Angelina Jolie, Johnny Depp, Paul Bettany, Timothy Dalton, Steven Berkoff, Rufus Sewell, Bruno Wolkowitch

Productor: Gary Barber, Roger BirnBaum, Jonathan Glickman, Tim Headington, Graham King

Un nuevo proyecto rompetaquillas con un reparto de campanillas, una trama de espionaje light y un marco incomparable como es el de la ciudad de Venecia, para una película que deja el peso de la trama a Angelina Jolie y sirve a Depp como proyecto alimenticio. Secundarios como Paul Bettany, en el papel del esforzado agente de la ley que dirige la caza del estafador, o un Timothy Dalton que no debía creerse su papel y cada vez que interviene da la snsación de estar aguantándose la risa redondean el cásting de un filme que debía apuntar alto pero se diluye en momentos ya vistos, secuencias de acción poco elaboradas y menos creíbles, e interpretaciones poco afortunadas (Jolie parece estar rodando un anuncio de perfumes en algunas escenas, y Depp saca demasiado a pasear al Capitán Jack Sparrow...); añándanse ganchos que no acaban de cuajar en la trama, humor fácil y previsible, y giros demasiado predecibles que hacen que el final se anticipe, y tenemos el resultado: un producto que se hace algo pesado y manido, y que sólo vale como pasatiempo de sobremesa; demasiado poco relleno para tanto envoltorio.

LO MEJOR: las tomas en Venecia, porque ni una Jolie absolutamente escuálida y de cera ni un Depp que se ha comido lo que se dejó Jolie están en su mejor papel. Al menos Timothy Dalton debió pasárselo bien...

Monsters

2011-06-01T20:07:00.000+02:00

Hace seis años, la NASA descubrió la posibilidad de vida extraterrestre en nuestro Sistema Solar. Por ello, puso en órbita una sonda para recolectar muestras, pero al regresar a la Tierra, ésta se estrelló sobre América Central. Poco después del accidente, comenzaron a aparecer nuevas formas de vida, y la mitad de la población de México fue puesta en cuarentena. Hoy en día, los militares estadounidenses y mexicanos, siguen esforzándose por contener a "las criaturas"... La acción comienza cuando un periodista estadounidense decide escoltar a una turista, a través de la zona infectada, hasta la frontera con EE.UU.

Reparto: Whitney Able, Scoot McNairy

Productor: Allan Niblo, James Richardson

Precedida por un halo de hype enorme, la cinta se coló en las pantallas de nuestro país con una intensa campaña promocional, y el trailer bombardeando las previas de toda película en cartelera. A vecs, es mejor dejar pasar un tiempo, y con ello obtener algo de perspectiva: sí, yo también estaba predispuesto a creer que la película de marras era más de lo que es, y menudo fue el batacazo. La premisa no es excesivamente original, y menos teniendo en cuenta ejemplos recientes de coexistencia con alienígenas como "Distrito 9", aunque se nos vendía como un tenso viaje de huida entre "Aliens" y "Apocalypse Now"; nada de nada, la vacua trama se limita a un peregrinaje fútil de un fotógrafo de guerra menos creíble que un adivino de tv de madrugada y una jipi-piji que pasaba por allí y resulta ser la hija del dueño del periódico donde trabaja nuestro héroe, así que papi llama al fotógrafo y le dice que procure sacar a su niña de allí sana y salva, o ya puede coger número en el Inem...a partir de aquí una sucesión de escenas donde el director trata de sacar el arte que lleva dentro y nos muestra la miseria del país en cuarentena a modo de un "Callejeros Viajeros" sin ritmo pero eso sí, con una fotografía magnífica...en cuanto a los alienígenas, apenas se ven: a lo sumo un par de escenas donde algún tentáculo despistado asoma, o un pulpillo gigante a lo lejos, vaya decepción (lo mismo el director pensó que así daba más profundidad a la película, vaya usted a saber...). El colmo de lo alucinógeno llega en una escena en la que los protagonistas ven a dos de estos gigantescos cefalópodos dándose el equivalente sideral a un beso en los morros y se enternecen tanto que alguna lagrimilla se derrama...si esto parece poco, no se preocupen, que el metraje está trufado de momentos de esplendor para disfrute y vergüenza ajena (lo forzado de la relación de los protagonistas ya es de juzgado de guardia; tanto, que llega el momento en que uno desea que los alienígenas se equivoquen y los maten a ellos en lugar de a los extras para evitarnos el sufrimiento). En fin, vaya truñaco de principio a fin...casi echo de menos un subproducto como los "Critters"...

LO MEJOR: grandes momentos de sonrojo, somnolencia y vergüenza ajena...la competencia es dura, pero lo único que se salva es la fotografía. Recomiéndasela a alguien a quien odies y verás qué risa.

Mordheim

2011-06-01T18:45:00.001+02:00

Mordheim es un juego de estrategia ambientado en el universo de Warhammer Fantasy, publicado por la empresa multinacional británica Games Workshop. Usa el sistema de juego de Warhammer Fantasy Battle pero en "escaramuzas", es decir, en una escala menor usando solo un pequeño número de miniaturas por bando.

Mordheim fue publicado por primera vez por Games Workshop en 1999. Un par de años después se publicó el suplemento Imperio en Llamas y en el año 2002 se publicó (solo en inglés) el último suplemento oficial Mordheim: Annual 2002. Desde entonces se han seguido publicando ediciones de Warhammer Fantasy Battles lo que ha hecho que Mordheim se quede un poco estancado en cuanto a reglas. Además de estos suplementos se publicó en inglés una revista llamada Town Cryer con muchas reglas y bandas, las que Games Workshop consideró más aceptables fueron incluidas en el Annual 2002. Luego continuó durante algún tiempo publicando en la versión en inglés del sitio un e-zine llamado Fanatic Online (solo en inglés) que no ha sido recopilado ni considerado oficial.

Mapa de la ciudad de Mordheim tras el impacto del cometa

Mordheim, dentro de Games Workshop, pertenece a la categoría de juegos de la gama Juegos de Especialista por lo que recibe muy poco apoyo tanto en nuevas gamas de miniaturas como en reglas y actualizaciones. Por el contrario, por pertenecer a esa gama se pueden descargar todas las reglas excepto el suplemento Annual 2002 desde el sitio de Games Workshop.

Trasfondo

La acción se sitúa en la ciudad de Mordheim, en el año 1999, unos 500 años antes de la cronología de Warhammer Fantasy. (Traducido del alemán Mordheim significa "Ciudad de la Muerte", para evitar estas connotaciones el título en Alemania fue cambiado a Mortheim).

Una vista de una partida real en la Ciudad de los Condenados...
un diez a la escenografía tan lograda

En el año 1999, el Imperio se encuentra sumido en una guerra civil desde hace muchos años, no hay Emperador en el trono y los restos del Imperio son objeto de luchas intestinas. Ese mismo año un cometa de dos colas (el símbolo de Sigmar, dios del Imperio) fue visto en el cielo. Los astrónomos predijeron que caería en la ciudad de Mordheim, donde se encontraba el convento de las Hermanas de Sigmar. La caída de este cometa se interpretó como el retorno de Sigmar, durante el cual se volvería a vivir una época dorada. Se organizaron viajes a Mordheim llenando la ciudad por encima de su capacidad. La sobrepoblación junto con el ambiente que se vivía en la época hizo que la ciudad se convirtiera en un nido de adulterio, depravación y libertinaje aumentando el estado de anarquía. Conforme se acercaba el momento del impacto del cometa, más y más gente se acercaba a Mordheim, y la situación empeoró. Los demonios empezaron a recorrer las calles como hombres, las semillas del Caos reclamaban la ciudad como suya tras haberse hecho dueños de las almas de los habitantes.

Un momento de una partida: un Skaven atacado por dos orcos
de una banda rival

El cometa cayó en nochevieja pero no sucedió el prometido retorno de Sigmar. El cometa impactó en la ciudad matando instantáneamente a aquellos que se encontraban cerca. Se creó el rumor que Sigmar había juzgado y eliminado a quienes había considerado indignos. Mordheim se convirtió en un lugar de miedos y paranoias. Al poco del suceso, corrió la voz que una piedra misteriosa se había extendido por la ciudad, dicha piedra se conoció como Piedra Bruja que tenía la reputación de poseer todo tipo de cualidades. Pronto distintas facciones empezaron a ofrecer sumas de dinero enormes por esta piedra así que muchas bandas comenzaron a llegar a Mordheim, ahora conocida como la Ciudad de los Condenados, para conseguir una fortuna vendiéndola.

Unos 300 años después, una vez acabada la Gran Guerra contra el Caos, Magnus el Pio el Salvador del Imperio arrasó los restos de Mordheim e hizo que se erradicara su nombre de todo texto.

Un impresionante ejemplo de escenografia real de una partida

Sistema de juego

Mordheim es un juego para dos o más jugadores. Cada jugador controla una banda compuesta por un grupo de aventureros, guerreros, hechiceros, sacerdotes, mercenarios y/o animales que combaten como una unidad táctica; dicha banda evoluciona conforme avanzan las partidas, sus miembros ganan experiencia y mejoran (o empeoran) sus atributos, equipamiento y habilidades.

Cada tipo de banda tiene sus ventajes e inconvenientes. Esto se refleja de distinta manera en el juego como por ejemplo, número de guerreros totales en la banda, habilidades especiales, coste, movimiento. Normalmente se suele jugar mediante un sistema de campañas con una evolución "viva" como si se tratara de un juego de rol, donde unas partidas infuyen en las siguientes. (tomado de wikipedia)

Un enfrentamiento en una plaza de Mordheim; escenografía
real de una partida

El juego nació de una "feliz idea" de Tuomas Pirinen, uno de los diseñadores de la compañía, que prácticamente de la nada, y basándose para las reglas en el reglamento de escaramuzas del juego de batallas masivas "Warhammer Fantasy Battles", se sacó de la manga el trasfondo del juego, las reglas de las bandas, la progresión...e incluso diseñó en el estudio de modelismo una ciudad de Mordheim en miniatura, donde probar las reglas del juego; las pruebas iniciales del juego, rerglas que iban surgiendo, etc se fueron publicando en la revista oficial de la compañía, y el resultado fue que gustó tanto entre los jugadores (y no sólo por el dinamismo de las partidas y los toques de rol que hacían de cada personaje alguien con trasfondo, sino también por el atractivo de la ambientación en plan Edad Oscura medieval) que la compañía se decidió a publicar el juego en forma de caja con algo de escenografía, dos bandas de miniaturas, y un atractivo libro profusamente ilustrado con el reglamento y el trasfondo completos...poco a poco la compañía fue abandonando el juego en pos de opciones aparentemente más lucrativas (y así les ha ido, pero esa es otra historia), y tan sólo los muchísimos aficionados en todo el mundo han mantenido la llama viva con nuevas reglas, bandas...incluso con nuevas ambientaciones, como la posibilidad de jugar en Lustria (algo así como el Nuevo Mundo en Warhammer, con hombres-lagarto de costumbres aztecas, vampiros...), Khemri (el equivalente a Egipto, con partidas en el interior de pirámides) o la posibilidad de jugar en plan dungeoncrawling clásico pero con bandas rivales...

Una banda de mercenarios, clérigos y cazabrujas
recorre las empedradas calles

LO MEJOR: Para todo aquel que lo haya jugado, todo lo que se haya dicho se queda corto: el juego engancha por su jugabilidad, su espectacularidad a poco que uno se preocupe de cuidar la escenografía de las partidas (y en internet hay numerosos recursos para construir con un poco de papel y pegamento toda una ciudad medieval...sólo hay que buscar), y el trasfondo tan atractivo que da pie a numerosas ideas de partidas (y si no, hay de nuevo un extenso material oficial y no oficial en internet)...para aquel que no haya jugado, tan sólo necesita unas cuantas miniaturas, varios dados de seis, un metro o regla, y el reglamento que es de descarga gratuita, así que no hay excusa; dadle una oportunidad y ya no querréis dejarlo...

En la página oficial del juego puede descargarse el reglamento oficial y algunas reglas opcionales, y aquí y aquí hay nuevas bandas, trasfondo, reglas, etc...

AC/DC "Live At River Plate DVD" (2011)

2011-06-01T18:07:00.000+02:00

Track List: 1. Rock N Roll Train 2. Hell Ain't A Bad Place To Be 3. Back In Black 4. Big Jack 5. Dirty Deeds Done Dirt Cheap 6. Shot Down In Flames 7. Thunderstruck 8. Black Ice 9. The Jack 10. Hells Bells 11. Shoot To Thrill 12. War Machine 13. Dog Eat Dog 14. You Shook Me All Night Long 15. T.N.T. 16. Whole Lotta Rosie 17. Let There Be Rock 18. Highway To Hell 19. For Those About To Rock (We Salute You)

BONUS FEATURES:

The Fan, The Roadie, The Guitar Tech & The Meat
AC/DC Tour Animation

Incombustibles después de toda una vida como sinónimos del Rock sin aditivos, la banda de los hermanos Young edita un nuevo DVD en vivo (y ya van unos cuantos), resultado de la gira de su último disco de estudio y que pasó por nuestro país. Así pues, ¿cuál es el aliciente para un nuevo DVD de los australianos? No el repertorio, que es más o menos el mismo desde hace la tira, ni el hecho de disfrutar nuevamente en medio audiovisual un concierto de estos cinco entrañables viejos rockeros...sino el más que probable adiós del grupo a la carretera, si hacemos caso a los rumores que apuntan que al bueno de Brian Johnson ya le pesan en las cuerdas vocales tantos años de partirse el pecho cantando, con lo que esta parecía la última ocasión de verlos en su medio natural, el concierto en un estadio, en este caso en Buenos Aires y con un público como siempre entregado. Y parece ser que la jugada ha sido un éxito, y el DVD ya es líder en ventas en 17 países, incluído España. Como no podía ser menos, se han publicado varias versiones del disco, estando la sencilla (que incluye el concierto, un documental hilarante y de visión obligada con entrevistas y fragmentos de conciertos, y los cortos animados que se emiten en algunos momentos de los conciertos de la gira), y el pack en edición limitada, que a lo anterior le suma una caja de cartón para incluir una camiseta conmemorativa del concierto filmado...obviamente, esta última es la copia que hay que tener. En cuanto al filme, si se ha estado alguna vez en un concierto de AC/DC ya se sabe lo que hay: Rock clásico, sin muchos artificios pero resultón, un grupo que lo da todo y donde las cabezas visibles son el anteriormente mencionado Brian Johnson y el archiconocido diablillo del menor de los Young con su inseparable SG a cuestas, pero que tiene como motor indiscutible a Malcolm Young, respaldado por una base rítmica que sabe cual es su papel de obreros y lo cumplen a las mil maravillas, sacrificando protagonismo por el bien del equipo...temazos incontestablemente clásicos, desgranados con la impecable profesionalidad que dan tantos años en la carretera, y con 32 cámaras en HD que tratan de captar la esencia del Rock en directo, sin trucos de videoclip ni montajes raros, a lo sumo pantallas divididas ocasionales donde se compara cual escaparate la reacción del público frente a lo que sucede en el escenario...el resto es un compendio de lo que es capaz de dar uno de los mejores animales de directo que quedan, un espectáculo de sonido rockero donde se puede apreciar cada nota de los solos de pentatónica de Angus, cada acorde crujiente a través de los Marshalls de Malcolm, y cada grito de Brian...señores, a por él de cabeza.

LO MEJOR: muchísimos momentos destacables (esto es un concierto de AC/DC, qué demonios), pero por destacar algunos, "The Jack" con su momento redneck de enfocar a las chicas del público y el striptease de Angus, "Whole Lotta Rosie" con el desmadre del público en el estribillo, y la apoteosis final en "Highway To Hell".

Piratas del Caribe 4: En Mareas Misteriosas

2011-05-29T21:09:00.001+02:00

Producida por Jerry Bruckheimer y dirigida por Rob Marshall, "Piratas del Caribe: en mareas misteriosas" vuelve a ofrecer las enormes dosis de diversión, aventura y humor que deslumbraron en las anteriores entregas de esta saga de éxito. Pero esta vez será en formato Disney Digital 3D.

Johnny Depp regresa a su ya legendario papel del Capitán Jack Sparrow en un cuento repleto de acción sobre la verdad, la traición, la juventud y la desaparición. Cuando Jack se cruza con una mujer de su pasado (Penélope Cruz), no está muy seguro de si se trata de amor o si ella es una estafadora sin escrúpulos que le está utilizando para encontrar la legendaria Fuente de la Juventud. Jack es capturado por el Queen Anne´s Revenge, el barco del temible pirata Barbanegra (Ian McShane). Le fuerzan a unirse a ellos y vivirá una inesperada aventura en la que no sabe quién le inspira más miedo: Barbanegra o la mujer de su pasado.

La película, cuyo rodaje ha tenido lugar en Hawai, el Reino Unido y Los Ángeles, está dirigida por Rob Marshall ("Chicago") y es la cuarta entrega de la saga cuyas tres primeras películas ya han recaudado 2.700 millones de dólares. En España han recaudado 75 millones de euros. Esta es la primera que se rueda y se exhibe en Disney Digital 3D.

Reparto: Johnny Depp, Ian McShane, Penélope Cruz, Richard Griffiths, Geoffrey Rush, Stephen Graham, Judi Dench, Óscar Jaenada

Director: Rob Marshall

A pesar de lo que pueda parecer, esta cuarta entrega del filón bucanero de Disney es una más que digna continuación de la saga, aunque ello no es óbice para destacar que no es más que una manera de estirar el chicle (o exprimir a la gallina de los huevos de oro, como se prefiera); sea como fuere, esta nueva excusa para recaudar con Johnny Depp a la cabeza funciona, y es precisamente por eso, por convertirse en un vehículo para el lucimiento de un personaje que ya es por derecho propio un avatar más del actor, el cual ha sabido darle lo suficiente de sí mismo como para que se le identifique a uno por el otro y viceversa. Atrás queda el protagonismo compartido con la deliciosa Keira Knightley y el cara de palo Orlando Bloom, una vez superado el anterior arco argumental; ahora se trata de recuperar algunos de los secundarios que dan más juego (como el personaje de Jeoffrey Rush), incluir algunos gags -que resultan, todo hay que decirlo-, darle un papelito a la estrella de moda (una ubicua Penélope Cruz, que maldita la necesidad que había) y encargarle el timón (y nunca mejor dicho) a un director experto en estas lides del cine de acción...y lo que obtenemos es esto precisamente: un entretenido vehículo de aventuras para toda la familia, con guiños que no podían faltar, una historia que se complica lo justo para entretener, con unos malos muy malos y unos buenos que no son tan buenos pero que caen simpáticos...mérito absoluto de Depp, que demuestra que él sólo puede tirar del carro a poco que haya un mínimo de categoría.

LO MEJOR: ¿hace falta decirlo? Jack Sparrow/Johnny Depp, la cinta es suya...

Neil Young & Crazy Horse "Everybody Knows This Is Nowhere" (1969) (ed. vinilo)

2011-05-16T15:01:00.000+02:00

Tracklist: 1. Cinnamon Girl 2. Everybody Knows This Is Nowhere 3. Round & Round 4. Down By The River 5. The Losing End 6. Running Dry 7. Cowgirl In The Sand

Tras la disolución de Buffalo Springfield, y un primer disco en solitario con poca aceptación por su excesivo toque folk, Neil Young adoptó a una banda de tantas que pueblan los bares de la América profunda llamada "The Rockets", les cambió el nombre por "Crazy Horse" y los tomó como banda de apoyo...de esa feliz unión surgió este disco, el primer y mayor clásico de la discografía del canadiense, con un sonido que se convertiría en marca de la casa fusionando como nadie el folk rock y el rock guitarrero de tintes más duros, anticipándose a lo que en los 90 se conocería como grunge. Les Pauls a través de Marshalls desbocados y con feedback, letras melancólicas y costumbristas en algunos casos, toques acústicos desgarradores y una personalísima forma de tocar y cantar que convirtieron a partir de entonces a Young en una de las figuras indiscutibles del Rock, y a Crazy Horse en una de las más sólidas bandas de acompañamiento en una simbiosis que recuerda a la de Dylan con The Band. Es un disco áspero en algunos casos, y a pesar de ser un digno hijo de su época es de esas colecciones de canciones por las que no pasa el tiempo. Aquí se incluyen joyas como "Cinnamon Girl" (la apertura guitarrera y uno de los temas más solicitados en sus directos), "Cowgirl In The Sand" (que le casi le cuesta a Young su matrimonio al no creerse su esposa que los inspirados versos de la canción eran sólo una fantasía y no estaban dedicados a una "musa" real) o "Down By The River" (un temazo de 10 minutos con enormes desarrollos de guitarra entre Neil y Danny Whitten, guitarrista de Crazy Horse). Gran disco para disfrutar como se merece, sí señor.

LO MEJOR: "Cinnamon Girl" y "Down By The River" están entre los clásicos del Rock; un reconocimiento al padrino del grunge.

"Guards! Guards!", nuevo juego de tablero basado en el Mundodisco

2011-05-16T12:37:00.000+02:00

De nuevo desde The Ankh-Morpork Times, nos enteramos de la próxima publicación (hay fecha para Junio-Julio) de un juego de tablero basado en el Mundodisco, en concreto en la novela "¡Guardias! ¡Guardias!"; será publicado por Z-Man Games en EEUU y distribuido en Europa por Esdevium Games.

Según la nota de prensa, "Los jugadores interpretarán el papel de reclutas recién incorporados a la Guardia de la Ciudad de Ankh-Morpork. Los Ocho Grandes Hechizos han desaparecido de la Universidad Invisible, y el futuro de la ciudad pende de un hilo. Cada jugador deberá reunir cierta cantidad de hechizos y devolverlos a la Universidad antes de que corra la noticia de su pérdida y provoque el caos.

Durante su misión para salvar el Mundodisco, los jugadores se enfrentarán a los muchos peligros del día a día en Ankh-Morpork. [...] Si añadimos a ellos el riesgo constante de ser pisoteados por el Equipaje, un cofre mágico de 400 kg que recorre la ciudad con estruendo y sin descanso sobre sus cientos de patitas, los jugadores descubrirán pronto que la vida en el Mundodisco no siempre es fácil. Y justo cuando pensabas que las cosas no podían empeorar, los Hermanos Esclarecidos de la Noche de Ébano, una sociedad secreta que pretende derrocar el gobierno de Ankh-Morpork, pone en marcha su plan de invocar mágicamente a un Gran Dragón en la ciudad.

Con más de 90 cartas de personaje ilustradas por Stephen Player (cada una con una cita corta que define al personaje con las propias palabras del escritor), los jugadores se verán inmersos en el mágico y maravilloso mundo creado por Terry Pratchett."

Más información aquí.

Sin Compromiso (No Strings Attached)

2011-05-16T12:15:00.000+02:00

En la película, Natalie Portman y Ashton Kutcher son dos amigos que están de acuerdo en iniciar una aventura casual, pensando que pueden hacerlo sin ningún tipo de carga emocional. Pero entonces el amor se interpone en el camino y deben decidir si realmente pueden hacer que su recién definida amistad funcione.

Reparto: Natalie Portman, Ashton Kutcher, Cary Elwes, Kevin Kline

Director: Ivan Reitman

Para variar y desintoxicarnos de la sobredosis de fantástico reciente, noche de domingo con comedia romántica a priori totalmente previsible: dos actores jóvenes de desigual fortuna (Natalie Portman consagrada como talento después de sus papeles más o menos dramáticos desde que apareciera en la imprescindible "Beautiful Girls", y Ashton Kutcher contínuamente vilipendiado tras su encasillamiento absoluto como actor de comedia descerebrada estadounidense por...bueno, por toda su carrera) en una vuelta de tuerca más al concepto de "amigos-amantes" y su dicotomía. Todo hace presagiar un par de horas de situaciones previsibles, enredos rebuscados y personajes excéntricos; algo hay de eso, pero hay que rerconocer que la película, sin querer ser más de lo que es, lleva un desarrollo que no pesa en absoluto y permite, poco a poco y con naturalidad, que la fauna que puebla el metraje se nos antoje cada vez más entrañable y empaticemos con sus frases, actitudes y motivaciones casi como si los conociéramos. Estimable recurso para una película que podría ser sólo otra más del montón y que, merced a la pareja protagonista (Portman perfectamente creíble y Kutcher perfectamente simpático) y al oficio de un Ivan Reitman curtido las mil y una variantes de la comedia -y del fantástico, no olvidemos "Los Cazafantasmas" (Ghostbusters, 1984)-, no deja de ser eso, una más del montón, pero logra su propósito de despertar una sonrisa y hace pasar un rato agradable, sin pretender más que eso. Para echar un apacible rato de evasión, entretenida.

LO MEJOR: la pareja protagonista, que lleva el peso de la película sin que chirríe el conjunto...y por supuesto el personaje gamberro de Kevin Kline como el padre de Kutcher.

Al fin, "Buenos Presagios", de Pratchett y Gaiman, será adaptado a film

2011-05-15T12:10:00.001+02:00

De nuevo desde "The Ankh-Morpork Times" nos llegan jugosas noticias, en este caso de la (esta vez sí) adaptación al celuloide de la novela de culto de Pratchett junto a Neil Gaiman, "Buenos Presagios" ("Good Omens"), en concreto como TV movie de gran presupuesto al estilo de las adaptaciones de "El Color de la Magia", "Hogfather" o "Going Postal"...la verdad es que desde que se publicó la novela han sido numerosas las veces que se ha rumoreado acerca de la adaptación, pero esta vez sí que es definitiva, como el propio Pratchett confirma:

"A lo largo de las últimas semanas, se ha desatado toda una tormenta de rumores, la mayoría iniciados por mí en el Weekender SFX, sobre una adaptación de Buenos Presagios. Así que, damas y caballeros, puedo anunciar en exclusiva que SÍ, Neil y yo hemos llegado a un acuerdo con Rod Brown, que nos ha dado un montón de dinero por dejarle adaptar el libro a la TV. Dentro de unas semanas Prime Focus hará un anuncio oficial al respecto. Sin embargo, ya puedo desvelar que Terry Jones (sí, el ex Monty Python) y Gavin Scott (no es un ex Monty Python, pero sabe de qué va el tema) ya se han puesto manos a la obra. Ha tardado en llegar, pero tiene buena pinta."

Pues ya sólo nos queda esperar salivando un rato...

En proyecto: nueva Serie de TV sobre la Guardia de Ankh-Morpork

2011-05-15T12:02:00.000+02:00

Sir Terry Pratchett y Rod Brown, director ejecutivo de Prime Focus Productions, anuncian que han llegado a un acuerdo sin precedentes sobre los derechos televisivos mundiales para crear nuevas líneas argumentales con los icónicos personajes de la exitosa serie de Pratchett, el Mundodisco.

El éxito universal de Terry procede de su creación de una de las franquicias más importantes de la ficción fantástica, con 70 millones de libros vendidos en su serie del Mundodisco (cuyo volumen trigésimo noveno se publicará en octubre de 2011). Si bien ha habido tres adaptaciones del Mundodisco en forma de miniserie televisiva para el Reino Unido, esta es la primera vez que Pratchett ha concedido a una productora los derechos de sus personajes y su mundo, para la creación de nuevas historias dirigidas en exclusiva a la televisión.

La serie se centrará en la bulliciosa, muy mercantil, poco de fiar en general y siempre vibrante ciudad de Ankh-Morpork, y seguirá las actividades cotidianas de los hombres, mujeres, trolls, enanos, vampiros y diversas otras especias que pisan a diario sus antiquísimos adoquines (y, por supuesto, también los Igors del departamento forense). Terry suele referirse a la serie policíaca de la Guardia de la Ciudad como «las joyas de su corona del Mundodisco». Estos personajes ricos, desarrollados y atractivos aparecerán en una línea argumental por episodios de «crimen de la semana». A medida que se desarrolle cada aventura semanal, los espectadores disfrutarán de un viaje por la genial imaginación de Pratchett, ya que el autor supervisará la creación de la serie, donde son cotidianos los encuentros con hombres lobo, dragones, enanos, trolls, gólems y los clásicos héroes y villanos... ¡muchos de los cuales son además incansables luchadores contra el delito!

Rod Brown, director ejecutivo de Prime Focus Productions, ha afirmado: «Creo que el éxito mundial de la franquicia Mundodisco se trasladará con facilidad a la pequeña pantalla en la forma de una serie semanal de alto presupuesto. Trasladará al público la anticipación y emoción de tener una historia nueva del Mundodisco cada semana a través del medio televisivo. Hacerlo bien es una responsabilidad enorme hacia Terry, hacia su legión de seguidores del Mundodisco y hacia los nuevos aficionados a su obra que atraeremos con el tiempo, pero creo que les va a encantar el equipo de guionistas de alto calibre que ya tenemos contratado, entre quienes se hallan Terry Jones de los Monty Python y Gavin Scott (Pequeños guerreros, Los borrowers). Estamos en contacto con varias televisiones internacionales que ya han mostrado su interés, y esperamos avanzar con mucha rapidez para llevar este emocionante proyecto a buen término.»

Sir Terry Pratchett afirmó: «¡Estoy muy emocionado! Me alegra muchísimo todo esto porque Rod formaba parte del equipo que encabezó las adaptaciones de Sky One, y mi mensaje de ánimo para él ahora mismo es: ¡no lo jodas!»

(tomado de The Ankh-Morpork Times Blogspot)

Juliette & The Licks "You're Speaking My Language" (2005)

2011-05-14T16:36:00.000+02:00

Tracklist: 1. You’re Speaking My Language 2. Money In My Pocket 3. American Boy 4. I Never Got To Tell You… 5. This I Know 6. Pray For The Band Latoya 7. So Amazing 8. By The Heat of Your Light 9. Got Love To Kill (Remix) 10. Seventh Sign 11. Long Road Out Of Here

A pesar de tener ya sus buenos 6 añitos, este es uno de esos discos que periódicamente escucho de principio a fin; con un sonido de rock clásico -básicamente, una Les Paul a traves de un Marshall, bajo, batería, y una voz rasgada pero llena de matices- que trae reminiscencias a Iggy & The Stooges o a Patti Smith, este primer disco de la actriz Juliette Lewis junto a su banda The Licks (algo así como "Los Lametazos") es una colección de canciones que demostró que era posible un rock de guitarras con toques punk rock en una época donde grupos como Linkin'Park, Franz Ferdinand o Green Day eran los abanderados del rock. Grandes canciones, con unas guitarras con el toque justo de crunch marshalero (la inicial "You're Speaking My Language", toda una declaración de intenciones), letras irónicas ("American Boy"), descarnadas y sinceras resignaciones ("This I Know")...todo eso es este debut de Juliette Lewis como cantante de rock, y resulta más creíble que muchos de los que llevan años de pose rockera; posteriores directos de la banda en festivales y como teloneros confirmaron que lo de la Lewis no era un capricho (ella misma confesó que se consideraba una cantante que hasta el momento se había dedicado a la interpretación). Un segundo disco de la banda un par de años después aportó más del mismo sonido y algunos nuevos temas memorables, lástima que para el tercer disco Juliette se decidiera a prescindir de la banda y se presentara como artista en solitario, y a partir de entonces el listón de calidad bajó enormemente. Sea como fuere, en este disco podemos disfrutar de una buena colección de punk rock sincero, fresco y con un sonido clásico de influencias bien asimiladas, y eso ya es bastante.

LO MEJOR: el sonido clásico y sin artificios, casi se puede sentir la patada de los amplificadores.

Must Love Death

2011-05-14T16:33:00.000+02:00

Decepcionado por un amor, un joven músico de estudio decide suicidarse y terminar con su sufrimiento, para lo cual contacta con un grupo de gente en su misma situación y animarse unos a otros a cometer lo que por separado no se atreven. Lo que Norman no sabe es que acaba de entrar en un juego macabro donde los otros supuestos suicidas no son otra cosa que sádicos sin escrúpulos que lo único que buscan es una victima fácil dispuesta a morir...

Reparto: Sami Loris, Manon Kahle, Jeff Burrell, Peter Farkas, Philipp Rafferty, Lucie Pohl, Katjana Gerz, Tobias Schenke

Director: Andreas Schaap

Desde que conocí de su existencia en el Festival de Cine Fantástico de Málaga de este año pasado -con frustrado intento de verla incluido-, la posibilidad de una comedia romántica-gore brutal era algo que merecía la pena, aunque sólo fuera por su excelente punto de partido y lo bizarro del tema. Al fin, después de un tiempo, encontré el momento para verla en una sobremesa de una calurosa tarde de Mayo; dos horitas por delante para disfrutar de uno de los filmes más esperados...pues vaya decepción; la película se queda en medio de todo, sin llegar a romper como comedia romántica -salvo por los comentarios y situaciones absolutamente tópicos- ni como cine fantástico-gore -momentos y personajes mal aprovechados, poco humor y mal desarrollado-. Y lo peor es que es evidente que la película daba para más, incluso si se hubiese aprovechado ese tufillo a serie Z autoparódica que transmite inicialmente el filme, ya hubiese mejorado abismalmente el desarrollo; pero a los autores se les debió ocurrir que lo que tenían entre las manos debía ser la película definitiva que estaba llamada a ser el referente de las comedias sangrientas...y ahí se acabó todo. Situaciones perfectamente prescindibles y predecibles, personajes desaprovechados -la pareja del coche daba para mucho más, igual que la chica "John Lennon"-, interpretaciones de bajo nivel -y peor aún cuando no es en tono paródico-...La verdad es que el tráiler apuntaba mucho, pero resulta que lo que vemos en él es TODO lo que se puede esperar de la película, y así es difícil que remonte; con todo, conseguí no dormirme, pero más esperando un impulso en el desarrollo de la película que no llega, que por el interés que suscita. Lástima, pero poco recomendables salvo para muy aficionados al género (cómo echamos de menos a la Troma).

LO MEJOR: la idea original, que daba para mucho más.

The Art of H.P. Lovecraft's Cthulhu Mythos

2011-05-14T12:33:00.000+02:00

Visita la ruinosa Arkham, la decadente Dunwich, o la lúgubre ciudad de Innsmouth. Observa la forma inenarrable de El Que No Debe Nombrarse, comprende los misterios de la Llave y la Puerta, y se testigo del surgir de los Grandes Antiguos.

The Art of H.P. Lovecraft´s Cthulhu Mythos es un viaje a las oscuras y desazonantes imágenes inspiradas por los libros e historias de los Mitos del Cthulhu. Las historias de H. P. Lovecraft han dado alas a la imaginación de cientos de autores e infinitos lectores, con sus sugerencias de terribles seres antiguos para los cuales la humanidad es insignificante, y las horribles verdades que nuestras mentes no deben saber. Ahora, por vez primera, las ilustraciones inspiradas por estas clásicas historias de horror se reúnen en un lujoso volumen con dibujos y cuadros de algunos de los más célebres artistas del momento, como Michael Komarck, Torstein Nordstrand, Paul Carrick, Anders Finer y muchos más.

"No hay muerte que eterna pueda descansar. Y tras extraños eones incluso la muerte puede morir."

Todos los que alguna vez habéis disfrutado leyendo algo del maestro Lovecraft, todos los que habéis dirigido una partida de Cthulhu, todos los aficionados al Arkham Horror o al juego de cartas de La Llamada de Cthulhu...todos, absolutamente todos, seguro que habéis echado de menos el tener una imagen nítida y explícita de lo que son los horrores innombrables que pueblan la mitología del escritor de Massachussets. Pues bien, en este fantástico libro de ilustraciones que edita Fantasy Flight Games (compañía que tiene un amplio fondo de catálogo de productos lovecraftianos, como ya sabréis) viene a llenar ese hueco; en total, 192 páginas repletas de ilustraciones de gran tamaño y de una calidad indiscutible, a cargo de los mejores ilustradores del panorama internacional, donde se recopilan dibujos aparecidos en las cartas del juego de "La Llamada..." antes mencionado, otros juegos como "Arkham Horror" o ilustraciones varias promocionales, de libros, etc...un auténtico tesoro para los aficionados a Lovecraft, y absolutamente imprescindible para ambientar partidas, acompañar la relectura de algunos relatos, o sencillamente para disfrutar de la iconografía. El libro se presenta con una solapa externa (con una ilustración que quita el hipo), y la edición está muy pero que muy bien cuidada; podemos encontrarnos varias secciones en el libro, tanto dedicadas a tomos ocultos, bestiario, rituales...como a lugares "entrañables" de los relatos o personajes de gran relevancia como el querido Rey Amarillo o los avatares de Nyarlathotep...por ahora, el tomo sólo está en inglés -y pendiente de una nueva reimpresión-, pero si podéis conseguirlo en alguna librería no dudéis (Amazon lo vende por unos 30 dólares); yo tuve la suerte ayer de encontrarlo después de un tiempo buscándolo y os aseguro que merece cada céntimo...

LO MEJOR: poder al fin ponerle imagen a muchos de los horrores innombrables de los relatos...y poder enseñarle a los jugadores qué es lo que tienen delante de ellos...

Para los que queráis una muestra de las imágenes, aquí y aquí tenéis algunas...

Web oficial

Nine Inch Nails "The Downward Spiral" (1994)

2011-05-07T19:15:00.000+02:00

Tracklist: 1. Mr. Self Destruct 2. Piggy 3. Heresy 4. March Of The Pigs 5. Closer 6. Ruiner 7. The Becoming 8. I Do Not Want This 9. Big Man With A Gun 10. A Warm Place 11. Eraser 12. Reptile 13. The Downward Spiral 14. Hurt

Cuando Trent Reznor se encerró en la casa que alquiló en California para componer y grabar el tercer disco de larga duración de su proyecto, no sabia que la mansión de Cielo Drive era la misma casa donde "La Familia" de Charles Manson cometió su bacanal de sangre en la que fue asesinada Sharon Tate estando embarazada de 8 meses de Roman Polanski; probablemente los fantasmas de esos sucesos influyeron en el malsano ambiente de degradación y descenso a los infiernos del ser humano que pueblan esta paradójicamente obra maestra en forma de álbum conceptual. Turbadoras letras que mezclan lástima y odio, llanto y rabia, se aúnan a pasajes musicales cambiantes, sónicamente agresivos, salpicados por momentos de perturbada melancolía...no es de extrañar que Reznor pasara por su peor época personal, con sus adicciones tocando fondo, físicamente extenuado mientras trabajaba obsesivamente para completar el disco y viviendo alejado de todo ser humano. Sin embargo, esta espiral de obsesión, sexo, degradación y dolor en forma de Rock Industrial se ha convertido en uno de los mejores discos de la historia, y en la obra que encumbró a Nine Inch Nails. A ratos desagradable, a ratos violento, a ratos depresivo...su escucha es difícil y el resultado desolador, pero al igual que la temática del disco, es un doloroso placer; lo ideal es escucharlo como un todo, leyendo las letras mientras nos sumergimos en el pozo de locura y depravación sin redención que Reznor propone en este hijo bastardo entre el "The Wall" de Pink Floyd y la nota de suicidio de una mente perturbada. Una de esas experiencias que te hacen mejor persona.

LO MEJOR: es difícil en un disco conceptual destacar un tema sobre otro, pero "Heresy", "March Of The Pigs", "Closer" (incluida en la BSO de "Se7en" de David Fincher), "Reptile", y un"Hurt" que es capaz de ponerte un nudo en el estómago son de matrícula de honor.

Lobezno: Old Man Logan (Mark Millar y Steve McNiven)

2011-05-07T19:03:00.001+02:00

Una epopeya apocalíptica protagonizada por Lobezno en el mejor estilo de Mad Max que nos lleva varias décadas hacia el futuro. Nadie sabe qué ocurrió la noche en que los héroes cayeron: Sólo que todos desaparecieron y el mal ha triunfado desde entonces. En el último medio siglo, nadie ha visto al hombre simplemente conocido como Logan. Pero algo le hará salir de las sombras. Su amigo Ojo de Halcón necesita recorrer miles de kilómetros para poner su familia a salvo. Lobezno se prepara para el viaje de su vida…

Guión: Mark Millar

Dibujo: Steve McNiven

Una de esas ideas felices en forma de futuros alternativos que surgen de vez en cuando entre los guionistas de Marvel, y que esta vez funciona, y muy bien: se nota la mano de Mark Millar- uno de los autores responsables de la revolución y actualización que supuso el Universo Ultimate- en la escritura de una historia en un violento futuro postapocalíptico que bebe por igual del western y de Mad Max. En total, un arco argumental autoconclusivo en 8 números de la colección regular de Wolverine (7 ejemplares más un Giant-Size) para contarnos una de las mejores tramas que se pueden leer en el cómic reciente de superhéroes. Personajes míticos de la Casa de las Ideas reducidos a vejestorios que se limitan a subsistir, un mundo gobernado por los supervillanos que han hecho de los EEUU un inmenso desierto salpicado por decadentes megalópolis gobernadas por la ley del más fuerte, un Lobezno rendido de la lucha que recuerda muchísimo a Clint Eastwood y que vive precariamente con su familia en una granja sometido a los abusivos impuestos que los hijos de Hulk cobran caprichosamente, hasta que un día aparece un ciego y envejecido Ojo de Halcón para proponerle un último trabajo...todo ello en forma de road-movie comiquera ilustrada por un Steve McNiven en estado de gracia y que nos muestra que el viaje interior es casi tan importante como el exterior, y que justifica que después de 50 años Lobezno vuelva a sacar las garras. Numerosos guiños a momentos históricos de Marvel le dan aún más sabor a una obra cuya lectura se nos antoja inexcusable; un cómic imprescindible para todos los aficionados, pero que puede ser disfrutado por cualquiera que le de la oportunidad.

LO MEJOR: imposible destacar por encima del otro a la narrativa o al dibujo; un cómic para disfrutar de una tacada e ir salivando por su más que probable secuela...

El Sicario de Dios

2011-05-07T19:02:00.000+02:00

"El Sicario de Dios" es una fusión entre western y thriller apocalíptico, ambientado en un futuro alternativo cercano, un mundo asolado por siglos de lucha entre vampiros y hombres. La historia gira en torno a un legendario sacerdote guerrero (Paul Bettany) que desde la última Guerra Vampírica vive en la oscuridad junto a otros humanos oprimidos dentro de los confines de los muros de ciudades gobernadas por la Iglesia. Cuando su sobrina (Lily Collins) es secuestrada por un grupo de vampiros asesinos, Priest rompe sus votos sagrados para aventurarse en una obsesiva odisea para hallarla antes de que la conviertan en uno de ellos. A su cruzada se suma el novio de su sobrina (Cam Gigandet), un joven sheriff de las tierras arrasadas y una ex guerrera sacerdotisa (Maggie Q), quien posee poderes de lucha sobrenaturales.

Reparto: Cam Gigandet, Karl Urban, Paul Bettany, Maggie Q, Christopher Plummer, Stephen Moyer, Brad Dourif, Mädchen Amick

Director: Charles Stewart

Libérrima adaptación de Priest, manga original de Hyung Min-Woo, que sustituye la ambientación del salvaje oeste por un futuro cercano postapocalíptico donde la humanidad se hacina en megaciudades que parecen salidas de "Warhammer 40K" dominadas por la Iglesia, fuera de cuyos muros habitan pequeñas poblaciones -ahora sí- semejantes a poblados del oeste entre una inmensidad desértica similar al outback australiano (o al planeta Tatooine de Star Wars). En este marco se mueve la historia de este filme, que parte de una idea que podría resultar -vampiros como una raza aparte de mostruos que viven en colmenas en el desierto que se extiende entre las megalópolis, una casta de guerreros-sacerdotes similares a los personajes de Warhammer 40K, pueblerinos supersticiosos que viven en condiciones similares al oeste americano de finales del siglo XIX, estética cyberpunk-, pero que se aturulla en una línea argumental plana que justifica las escenas de acción (en muchos casos coreografías de lucha escesivamente breves); personajes y diálogos más que tópicos y que rozan el sonrojo completan el plantel de una película que no se llega a hacer pesada por su duración (menos de hora y media), pero que deja con la sensación de que daba para mucho más. Si estuviéramos en los 80, esta película se distribuiría directamente a videoclubes y sería un filme de serie B casi de culto, y quizás ese sea el problema: el no darse cuenta de que nos hallamos ante un filme que por sus características encaja perfectamente como serie B de cine fantástico, pero que por querer morder más de lo que se puede tragar y estrenarse en pantalla grande acaba por quedarse corto. Para aficionados a la sci-fi y nostálgicos de clásicos de vídeoclub ochentero.

LO MEJOR: sin duda, la ambientación: vampiros, western, cyberpunk y Warhammer 40K.

Akira (Katsuhiro Otomo)

2011-05-07T19:00:00.001+02:00

1988: El mundo está al borde de la destrucción absoluta. La tecnología avanzada fue la causa de una terrible explosión que desencadenó una guerra nuclear y devastó las grandes ciudades del planeta. Treinta años después, sobre las ruinas de Tokio, se alza la megalópolis de Neo-Tokio, una ciudad opresiva e inhumana cargada de problemas como el desempleo, la violencia, la droga y el terrorismo. Las sectas religiosas y los grupos extremistas, aprovechándose de la insatisfacción de los ciudadanos, cultivan el mito de AKIRA, un "niño cobaya" depositario de la "energía absoluta" cuya resurrección significaría para Japón el amanecer de una nueva era.

La historia se desarrolla en Neo-Tokio, una ciudad reconstruida en el año 2019, tras sufrir los devastadores efectos de una presunta explosión nuclear que desencadena la tercera guerra mundial. El gobierno ejerce un control represivo sobre la ciudad y experimenta sobre unos niños con poderes psíquicos latentes, aplicándoles fármacos para potenciarlos, estos contribuyen con predicciones para mantener la paz. Kaneda y Tetsuo son miembros de una pandilla de motociclistas llamada "the capsules" que tienen entre otras aficiones participar en peleas callejeras contra otras bandas, enfrentándose continuamente contra otra pandilla llamada "the clowns" montados sobre potentes motos. En una de estas peleas, Tetsuo sufre un accidente causado por un extraño niño con aspecto de anciano. A partir de ese accidente, Tetsuo no vuelve a ser el mismo, El gobierno lo secuestra, y en un analisis descubren que su potencial psiquico es uno de lo mas grandes que han detectado antes, comparable al de un sujeto extraordinario reclutado tiempo atras,empiezan a experimentar con él y éste comienza a desarrollar poderes psíquicos rapidamente, los cuales exhacerban sus miedos y frustraciones, transformando patologicamente su personalidad. Por otro lado, se encuentran Kay y Ryu, miembros de la resistencia y dirigidos por su jefe Nezu, estos intentan averiguar qué ocurre en las instalaciones del ejército situadas en la zona cero, lugar donde explotó la bomba nuclear que destruyó la antigua ciudad. En este lugar es donde se encuentran Kiyoko, Takashi y Masaru, niños de extraña apariencia y poseedores de estos poderes psíquicos, sin olvidar a Akira que se descubre como el autentico responsable de la explosión acontecida años atras, al alcanzar el poder absoluto. Producto de los experimentos del gobierno Tetsuo empieza a sufrir alucinaciones y desarrolla poderes paranormales más allá de todo lo conocido. Esto lo lleva a creerse un dios y a enfrentarse al ejército mismo buscando cualquier evidencia de la existencia de Akira, ya que se cree su sucesor y superior a él...

La primera edición publicada en nuestro país estaba
coloreada, al gusto del consumidor estadounidense
(la publicación española se realizó desde la plantilla americana)

Mucho antes de Dragon Ball, el primer manga que se publicó en Occidente y supuso el punto de partida de toda la corriente que hoy día conocemos fue "Akira", la obra maestra de Katsuhiro Otomo. Publicada originalmente entre 1982 y 1993 en las páginas de la revista Young Magazine y con más de 2000 páginas, desde el momento de su lanzamiento se convirtió en un auténtico fenómeno mundial; es cierto que la trama de mundo post-apocalíptico no es excesivamente original -aunque en 1982 no estaba tan trillado-, pero los giros en forma de lucha de pandillas a lo Quadrophenia, los toques de lo que posteriormente se conocería como cyberpunk y las pinceladas de paranoia gubernamental, unido a un enfoque gráfico totalmente desconocido hasta el momento en el mundo del cómic, hicieron de "Akira" una obra maestra que aún no ha sido superada. Antes de "Akira", nadie hablaba de manga, y el cómic se debatía entre el estilo europeo y la dicotomía indie/superheroica estadounidense, pero a partir de entonces el mundo volvió la mirada hacia un tipo de historieta gráfica que era totalmente desconocida y tremendamente atrayente a la vez. Podemos decir que Katsuhiro Otomo se consagró definitivamente con esta su Opus Magnum, convirtiéndose en uno de los autores más reconocidos desde entonces (ilustres como Giraud -Moebius- se confiesan rendidos senguidores del autor japonés).

Edición original japonesa, similar a la que se publicó
en tomos recopilatorios por Norma hace años

Aún recuerdo cuando, en 7º u 8º de EGB, una tarde de viernes en lugar de gastarme la paga en los habituales cómics de superhéroes -en aquella época, colecciones como la "Liga de la Justicia", el "Escuadrón Suicida" o "The Question" eran mis favoritas- me decidí por un álbum de portada de cartulina y firmado por un autor japonés, que tenía pinta de ser una historia de ciencia-ficción...era el número 3 de "Akira", y recuerdo terminar de leerlo esa noche y pensar que ese cómic estaba a otro nivel...lo siguiente fue completar a lo largo de los años la colección completa en tomos -Ferias del Libro, visitas a librerías especializadas...- o recibir, un par de años después, como regalo de Navidad de mis abuelos la película de animación en VHS que vi a la mañana siguiente. Es muy difícil poder expresar mejor lo que ha supuesto esta obra de cómic, lo mejor es que cada uno le de la oportunidad que merece y disfrute de uno de los mejores cómics de la historia. Nada más y nada menos.

LO MEJOR: original, dinámica, intensa, inteligente, novedosa...una obra maestra.

Black Sabbath "Vol.4" (1972) (ed. vinilo)

2011-05-07T19:00:00.000+02:00

Tracklist: 1. Wheels of Confusion/The Straightener 2. Tomorrow's Dream 3. Changes 4. FX 5. Supernaut 6. Snowblind 7. Cornucopia 8. Laguna Sunrise 9. St. Vitus Dance 10. Under the Sun/Every Day Comes and Goes

Es innegable la influencia que una banda como los Black Sabbath ha ejercido en el Rock, pudiendo ser considerados uno de los padres del Heavy, y extendiendo sus redes hasta los modernos grupos de Stoner, Sludge o metal oscuro, pero sin olvidarnos de que básicamente nos hallamos ante una banda de Rock clásico con un sonido propio. Quizá este cuarto disco del grupo con su formación "clásica" -Ozzy Osbourne a las voces, Tony Iommi desgranando riffs con su Gibson SG, y la sección rítmica de Geezer Butler y Bill Ward escoltando el conjunto- no sea el que todo el mundo destaca como su álbum más clásico (la mayoría se decantaría por el archiconocido "Paranoid"), pero para el que esto suscribe el presente vinilo es el ideal para resumir el sonido de estos cuatro genios; nos hallamos ante un disco que tiene cortes más experimentales y cambios de ritmo (la inicial "Wheels Of Confusion" es un temazo para disfrutar cada nota), baladas oscuras (escuchad "Changes" para descubrir a un Ozzy desgarrador), potentes riffs marca de la casa ("Supernaut")...es evidente que en esta época las drogas estaban circulando libremente durante la composición del álbum -el disco iba a llamarse "Snowblind", como uno de los temas, pero la discográfica lo rechazó por su más que evidente alusión a la cocaína-, pero el resultado de esas sesiones es un conjunto de temazos memorables que deberían formar parte de la discografía de cualquier melómano que se precie.

LO MEJOR: un escaparate perfecto del sonido de una de las bandas que más influencia han tenido en el Rock, y una perfecta introducción para aquellos que -increíblemente- aún no conozcan de lo que fueron capaces estos cuatro músicos en los 70.

Thor

2011-05-07T18:54:00.000+02:00

Thor es lanzado a la Tierra a vivir entre humanos como castigo, tras reiniciar una antigua guerra en Asgard. Su arrogancia se desvanecerá en el momento en que entienda que debe ser un salvador y no un guerrero sin rumbo, salvando a los humanos de las fuerzas malignas de Asgard, bajo el comando de su siniestro hermano Loki.

Reparto: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Idris Elba, Stellan Skarsgard, Ray Stevenson

Director: Kenneth Branagh

Nueva adaptación a la gran pantalla de un héroe de Marvel, que últimamente parece estar vaciando almacenes entre Lobeznos, Iron Man, las próximas "X-Men Primera Generación", "Capitán América", "Los Vengadores" y la 4ª de Spiderman...nada nuevo bajo el sol, con una predecible trama debidamente ultimatizada para las nuevas generaciones que va desde la mítica Asgard -tremendos paisajes aunque sean por ordenador, pardiez- a un pueblucho de la América profunda en Nuevo México; ganchos como la aparición de SHIELD -y de nuevo Samuel L. Jackson como Furia tras los créditos-, un cameo de Ojo de Halcón, o las menciones a Stark completan la sensación de universo común entre las adaptaciones de Marvel, remedando así lo conseguido por la Casa de las Ideas a lo largo de todos estos años. En cuanto a la película en sí, pues resultona, por supuesto; pocas sorpresas se pueden esperar de este tipo de filme aunque sea todo un Kenneth Branagh el que se sitúe tras la cámara, pero como hemos dicho la película se sustenta con el dinamismo de la alternancia entre la acción en Asgard y en nuestro mundo, con un Chris Hemsworth más que creíble como el Dios del Trueno -el carácter socarrón y casi paródico del personaje lo clava-, y un Loki que se va desarrollando a lo largo del filme y que si bien no hace mucho honor al apelativo de "Dios de las Mentiras", sí que va creciendo como personaje impredecible y conspirador; otro cantar es el personaje de Portman, demasiado plano y predecible, en una actuación que seguro que no la lleva de nuevo a la alfombra roja...con todo ello, es una película que sin ser imprescindible dentro del canon superheroico, se deja ver e incluso tiene momentos espectaculares -el mundo de los Gigantes del Hielo, Asgard-. Para fans de Marvel y palomiteros.

LO MEJOR: los Gigantes del Hielo, las escenas en Asgard, y el aspecto de universo completista que están logrando con las adaptaciones del cómic.

The Rembrandts "L.P." (1995)

2011-04-30T19:11:00.000+02:00

Tracklist: 1. End Of The Beginning 2. Easy To Forget 3. My Own Way 4. Don't Hide Your Love 5. Drowning In Your Tears 6. This House Is Not A Home 7. April 29 8. Lovin' Me Insane 9. There Goes Lucy 10. As Long As I Am Breathing 11. Call Me 12. Comin' Home 13. What Will It Take 14. The Other Side Of Night 15. I'll Be There For You (Theme From Friends)

Danny Wilde y Phil Solem, los componentes de este dúo, tenían ya una trayectoria a sus espaldas en grupúsculos de segunda fila y como compositores por cuenta ajena cuando decidieron montar una banda unidos por su gusto por los Beatles, y fue llegar y besar el santo: su tema "I'll Be There For You" se convierte en el tema principal de la sitcom televisiva del momento (estamos en 1995) -Friends- y el corte pasa a ser una de las canciones que todo el mundo conoce y es capaz de tararear sin importar raza, sexo o condición. Lo que podía haber sido un grandísimo punto de partida se convirtió en una maldición: ninguna de las restantes canciones del disco consiguió hacer sombra al tema en cuestión, y los Rembrandts no volvieron a gozar las mieles del éxito: siguieron publicando discos (el último en 2010), pero ninguno de ellos consiguió sacarlos del pozo. A pesar de ser considerados una de esas "One-Hit Wonders" (grupos de un sólo éxito), me niego a comulgar con esa denominación, ya que el susodicho primer disco de los Rembrandts estaba repleto, sí, REPLETO de buenas canciones, donde cada tema es casi mejor que el anterior, con un sonido que recuerda a la vez a los Beatles, Crowded House, Roxette o Bryan Adams...pop-rock de alto voltaje con guitarras crujientes y distorsión caliente en algunas canciones ("This House Is Not A Home", "Loving Me Insane" o la archiconocida "I'll Be There For You"), mestizaje electro-acústico en otras (la inicial "End Of The Beginning", "There Goes Lucy", "Don't Hide Your Love") o baladas perfectamente escritas ("As Long As I Am Breathing"). Un disco de esos que se puede escuchar una y otra vez sin cansar a pesar de su homogeneidad -o precisamente por ello-, y que soporta perfectamente el paso del tiempo por tener una lista de temas artesanalmente construidos y ejecutados con maestría, con un sonido que no desdeña al Rock; de pronto una Rickenbacker enchufada a un Vox volvió a sonar en la radio. Dadle una merecida oportunidad para descubrir un discazo.

LO MEJOR: riqueza instrumental para canciones compuestas como obras de arte; más de un grupo de estadio mataría por tener el sonido de guitarras de este disco.

Victorian Undead (Ian Edginton, Davide Fabbri)

2011-04-30T18:12:00.000+02:00

EL MÁS GRANDE DE LOS DETECTIVES SE ENFRENTA A LA MÁS TERRORÍFICA DE LAS PLAGAS

Todos los fans del pulp lo estábamos esperando. El héroe creado por Sir Arthur Conan Doyle se enfrenta a las temibles hordas de muertos vivientes. ¿De dónde han salido estas huestes de nomuertos? ¿Quién hay detrás de tal plaga? ¿Podrá Holmes , con la ayuda de su estimado Watson , salvar un Londres victoriano infestado de zombis? Ian Edginton y Davide Fabbri nos presentan esta terrorífica y trepidante historia llena de acción y misterio.

Autores: Ian Edginton, Davidé Fabbri

Colección: MADE IN HELL
Series: VICTORIAN UNDEAD
Formato: Rústica
Tamaño: 17 x 26
Páginas: 152
Color: Color
ISBN: 978-84-679-0350-8

En plena fiebre de la moda zombie, y después de habérselas visto con Jack el Destripador, Drácula o incluso los Mitos de Cthulhu, nos llega una nueva incursión-crossover del detective más famoso de todos los tiempos, esta vez contra la plaga de no muertos que amenaza el Londres victoriano. Lógicamente si no eres fan de ninguna de las dos propuestas (la holmesiana o la zombie), este cómic tendrá poco interés para tí; si por el contrario la palabra "cerebro" hace que pienses en comida aquí hay algo nuevo a lo que hincarle el diente. Y es que el tomo que nos presenta Norma recopilando los seis números de esta miniserie resulta un cómic agradable -es una forma de hablar- de leer, con un dibujo que por momentos recuerda al cine de animación Disney clásico -tanto en el trazo como en el empleo del color- y una historia que exprime todo lo que puede dar de sí la leyenda del detective para que la inclusión del fenómeno zombie no chirríe en el conjunto, con un argumento que a lo mejor en momentos puntuales decae algo, pero en general mantiene el tono a lo largo de la historia, a pesar de que haya pocas sorpresas -¿a estas alturas alguien no se imagina cuál es la mente criminal tras la plaga?-. Para resumir, un cómic para echar el rato con un dibujo atractivo y novedoso y un argumento del montón pero que resulta lo suficientemente curioso en su planteamiento para merecer su lectura.

LO MEJOR: la ambientación victoriana le va que ni pintada a una plaga de muertos vivientes, y el atractivo dibujo de Fabbri.

En Tiempo de Brujas

2011-04-30T18:11:00.000+02:00

El actor Nicolas Cage, ganador del Premio Oscar ® de la Academia (La búsqueda, Ghost Rider: el motorista fantasma) y Ron Perlman (Hellboy, Hellboy 2: El ejército dorado, Hijos de la anarquía) protagonizan esta aventura de acción sobrenatural acerca de un heroico cruzado y su amigo más cercano que regresa a casa tras décadas de feroz lucha, sólo para encontrar que el mundo ha sido destruido por la peste. Los religiosos de mayor rango, convencidos de que una joven acusada de ser una bruja es responsable de la devastación, encargan a los dos la misión de llevar a la extraña joven a un monasterio remoto donde los monjes realizarán un antiguo ritual para liberar a la tierra de su maldición. Se embarcan en un viaje terrible, lleno de acción, que pondrá a prueba su fuerza y coraje a medida que descubren el oscuro secreto de la joven y se encuentran luchando contra una fuerza terriblemente poderosa que determinará el destino del mundo.

Reparto: Nicolas Cage, Ron Perlman, Stephen Graham, Ulrich Thomsen

Director: Dominic Sena

Pocas veces he sentido con más intensidad que en esta película la sensación de estar viendo la adaptación al celuloide de una partida de rol de mi adorado Warhammer RPG, y es que la sucesión de tópicos en personajes, situaciones y diálogos arquetípicos provocan dos tipos de respuesta contrapuestos: o el sonrojo de vergüenza ajena o la sonrisa cómplice. En mi caso, debo confesarlo, se dio el segundo caso; probablemente, por las ganas que tenía de ver cine intrascendente de entretenimiento con lucecitas, ruidos y acción, que si además tiene espadas, magia y bichos feos pues mejor que mejor...La cinta se mueve dentro de los lugares comunes de este tipo de cine, con evidentes lagunas en el argumento -lineal absolutamente, y que se sabe cómo va a terminar...it's only rock n'roll, but I like it-, y obviamente la película es más de lo mismo. Con todo ello, salvo que uno vaya predispuesto a lo que va a ver y con pocas pretensiones de arte y ensayo, probablemente salga decepcionado: ni un Nicholas Cage en uno de los papeles de acción alimenticios que últimamente tanto se prodiga ni un Ron Perlman encasillado en el cine de acción aportan mucho a la gloria interpretativa, ni la trama lineal, ni los efectos que son más bien correctos y justitos, van a colmar las ansias de algo con enjundia...pero tampoco es eso lo que pretende la película, que busca entretener sin más a un tipo de público que sabe lo que espera de este tipo de cine, y es básicamente pasar un rato de entretenimiento y evasión con una cinta que caerá en el olvido en breve, pero que fue bonito mientras duró. Para incondicionales del rol medieval o niños que toleren los monstruos.

LO MEJOR: lo cerca que está de ser una partida de rol filmada, y las ganas de jugar que da...

Sucker Punch

2011-04-30T18:10:00.000+02:00

Cierra tus ojos. Abre tu mente. No estarás preparado.

“Sucker Punch” es una fantasía de acción épica que nos lleva a la viva imaginación de una joven cuyo mundo de sueños le permite escapar de su oscura realidad. Sin limitaciones de tiempo y espacio, tiene la libertad para ir donde su mente la lleve, y sus increíbles aventuras borran la línea entre lo real y lo imaginario.

Ha sido encerrada contra su voluntad, pero Babydoll (Emily Browning) no ha perdido su deseo de sobrevivir. Decidida a luchar por su libertad, anima a otras cuatro chicas - la decidida Rocket (Jena Malone), la astuta Blondie (Vanessa Hudgens), la implacablemente leal Amber (Jamie Chung) y la reacia Sweet Pea (Abbie Cornish) - a unirse e intentar escapar de su terrible destino a manos de sus captores, Blue (Oscar Isaac), Madam Gorski (Carla Gugino) y High Roller (Jon Hamm).

Guiadas por Babydoll, las chicas entablan un combate fantástico contra todo, desde samurais a serpientes, con un arsenal virtual a su disposición. Juntas, deben decidir lo que están dispuestas a sacrificar para permanecer vivas. Pero con la ayuda de un Hombre Sabio (Scott Glenn) su increible viaje – si lo consiguen - las liberará.

Reparto: Emily Browning, Abbie Cornish, Jena Malone, Vanessa Anne Hudgens, Carla Gugino

Director: Zack Snyder

Lo nuevo de Zack Snyder ha sido vapuleado inmisericordemente por la crítica, aunque habría que preguntarse si injustamente; una película de cine fantástico donde tienen cabida elementos del manga, sci-fi, videojuegos, espada y brujería, cine bélico, blockbuster de acción o incluso elementos del musical -es innegable la importancia que tiene la banda sonora en el filme- en una imaginería por ordenador de lo más desbocada, con una puesta en acción oscura, con unas protagonistas que adoptan los roles de cinco lolitas góticas y mortales, y cuya historia no es ya la trama-dentro-de-la-trama, sino un paso más allá del meta-cine...volvamos a preguntarlo: ¿no merece la pena?. Probablemente una de las películas más personales de los últimos tiempos, no es un filme fácil a pesar de lo que parezca a priori; original sí, y mucho, con una fusión de géneros aparentemente opuestos e irreconciliables que aquí funcionan y aportan dinamismo y frescura a una película no centrada en la interpretación -indudablemente, aunque no la descarten aún- sino en agotar las posibilidades del cine espectáculo y de entretenimiento, rebasando los límites de lo onírico incluso -¿se acuerdan de "Origen (Inception)"?-. El sello de Snyder lo podemos encontrar a lo largo de todo el metraje, con esos fotogramas de apariencia envejecida, podríamos decir de Lomomatic, el empleo de la slow motion y unas coreografías de acción envidiables, y un universo oscuro y decadente...el resto lo pone un espectacular uso de las posibilidades de los efectos por ordenador y un elenco de protagonistas que son la fantasía del consumidor medio de manga y videojuegos...¿se puede pedir más? Trepidante, entretenida, visualmente atractiva y lo suficientemente enrevesada como para captar la atención, es una de esas gratas sorpresas que de vez en cuando nos depara el cine fantástico. No la dejen pasar.

"Si eres un freak heterosexual con muchas hormonas en tu cuerpo y quieres ver a tías con katanas, fusiles M4 y ataviadas de colegialas al más puro estilo Sailor Moon dando hostias como panes, no lo dudes, ésta es tu película." Nacho Requena, nosologeeks.es

LO MEJOR: el aspecto visual (y no sólo de las protagonistas) y la acertada mezcla de géneros con un envoltorio atractivo.

Innsmouth Horror

2011-04-30T13:18:00.000+02:00

De todas las comunidades plasmadas en la visión de Massachussets de H. P. Lovecraft, posiblemente ninguna es tan mortífera como el pequeño pueblo pesquero de Innsmouth. Esta decrépita y moribunda ciudad está siendo consumida desde dentro por un pacto ancestral que se acordó para salvar a sus habitantes. Los investigadores no encontrarán más que impedimentos mientras exploran sus muelles putrefactos y sus fétidas playas. Y al final, el único modo de salvar Innsmouth podría ser destruirla junto a las terribles criaturas que infestan sus aguas en las inmediaciones del Arrecife del Diablo.

El Horror de Innsmouth introduce varios conceptos nuevos en el juego de tablero Arkham Horror, entre los que se incluyen historias personales exclusivas para cada investigador, así como reglas para reflejar la pinta de Innsmouth. Los habitantes de Innsmouth se muestran hostiles hacia los investigadores, quienes podrían dar con sus huesos en prisión o incluso acabar devorados por un shoggoth si indagan demasiado en la ciudad en su busca de pruebas para solicitar la intervención de los federales. No obstante, abandonar Innsmouth a su suerte no es buena idea, ya que los profundos podrían congregarse y emerger de los abismos oceánicos, provocando con su invasión el despertar del Primigenio. El Horror de Innsmouth también incluye un tablero de expansión que representa la ciudad de Innsmouth, 16 nuevos investigadores, 8 nuevos Primigenios, 2 nuevos Heraldos, cartas de Batalla épica para los nuevos Primigenios, más de 30 indicadores de Monstruo nuevos y numerosos encuentros adicionales. En total, la expansión añade más de 300 cartas nuevas al juego básico.

El contenido de la caja (tomado de Sectarios.org)

Después de 7 meses de esperar el momento para estrenarlo, esta lluviosa Semana Santa encontramos una velada perfecta para desprecintar la caja que contenía la ampliación de ambientación más clásica para el Arkham Horror. Dicho y hecho; en un rato resolvimos usar tan sólo el juego básico y esta nueva ampliación, para darle más peso a las cartas, reglas, mosntruos y eventos nuevos. Aún así, y para no abrumarnos, dejamos aparte para futuras partidas el usar los heraldos que incluye este Innsmouth Horror (qué ganas de usar a Padre Dagón y Madre Hidra), las cartas de Historia Personal o alguno de los Primigenios con más chicha; en cuanto a los personajes, y después de revisarlos por encima a todos y comentarlos, decidimos usar sólo los de la nueva ampliación y estrenarlos en condiciones. En cuanto a la partida, muy prometedor en cuanto a posibilidades el tablero de Inssmouth -el tema de la Invasión de Profundos y la Redada de Federales le da una atmósfera de tensión latente a la partida que contribuye a la sensación de amenaza general, y las cartas de "Pinta de Innsmouth" son lo que le faltaba al juego-, y con pocos jugadores (éramos 4) la partida tuvo momentos en que el giro de los acontecimientos hacía que algo que pintaba francamente bien amenazaba súbitamente con arruinarse y viceversa, lo cual contribuye a la jugabilidad y a romperse la cabeza con las estrategias de juego...no llegamos a terminar la partida -los que hayan jugado sabrán de la duración de una partida...-, pero he de decir que en 3-4 turnos (si la cosa no se volvía a complicar) teníamos ganada la partida...el problema era que entonces la cena se enfriaba. En resumen, una de las mejores ampliaciones para el juego e imprescindible para darle aún más ambiente lovecraftiano -valga la redundancia- a las partidas.

Algunos de los investigadores nuevos

LO MEJOR: ¡al fin hay Profundos! Y encima cualquiera puede ser un Marsh...

Fantasmas (Joe Hill)

2011-04-24T14:22:00.000+02:00

Imogene es joven y guapa. Besa como una actriz y conoce absolutamente todas y cada una de las películas que se han filmado. El caso es que también está muerta y a la espera de Alec Sheldon en el teatro Rosebud una tarde de 1945…

Arthur Rod es un niño solitario con unas ideas brillantes y un don para atraer los malos tratos. No es fácil hacer amigos cuando eres el único chico hinchable de tu ciudad…

Francis no es feliz. Francis fue humano una vez, pero eso tuvo lugar hace ya algún tiempo. Ahora es una langosta de dos metros y medio de altura, y todo el mundo en Calliphora se estremece cada vez que lo escuchan cantar…

John Finney está encerrado en un sótano lleno de manchas de sangre que pertenecen a los asesinatos de otra media docena de chicos. Con él en el sótano hay un viejo teléfono, desconectado desde hace mucho tiempo, pero que cada noche suena con llamadas de los muertos…

Nº páginas: 400 pags

Lengua: CASTELLANO
Encuadernación: Tapa blanda
ISBN: 9788483650585
Nº Edición:1ª
Año de edición:2008

Con los antecedentes de "El Traje del Muerto" y los cómics de "Locke & Key", era sólo cuestión de tiempo que me ventilara esta recopilación de relatos (algunos inéditos, otros publicados en revistas y fanzines varios) del retoño del maestro King. Como suele suceder, el resultado es irregular: junto a magníficos ejemplos de buen hacer en el género del terror más primario ("El Mejor Cuento de Terror" -evidentes influencias del cine de los 70 tipo "La Matanza de Texas" para un cuento absorbente-, "El Teléfono Negro" -¿qué pasa cuando unimos asesinos en serie de niños y toques sobrenaturales? Uno de los cuentos de terror más logrados que recuerdo-), nos encontramos con otros relatos más relacionados con el fantástico ("Hijos de Abraham" -una interesante vuelta de tuerca a la historia del cazavampiros Van Helsing-, "La Capa" -un retorcido homenaje a los superhéroes y supervillanos-), momentos donde la ternura puede sobreponerse al miedo ("Imogene", "La Ley de la Gravedad"), y otros que sencillamente no hay por donde cogerlos ("Oirás Cantar a la Langosta", un alucinógeno viaje que da la sensación de no saber cómo empezar y menos cómo terminar), junto a retazos de relatos evidentemente inacabados que dan la sensación de figurar en la antología tan sólo para rellenar, por lo poco que aportan al conjunto. Con todo ello, evidentemente el regusto es agridulce, quedando para la posteridad algunos cuentos que superan la criba frente a una mayoría del montón con tendencia al consumo rápido que sí, entretienen, pero desaparecerán de la memoria en poco tiempo. Ni mejor ni peor que otras antologías de cuentos de terror, atraerá a los seguidores del autor o de su progenitor, con quien comparte más rasgos estilísticos que los evidentes.

LO MEJOR: cuando Hill se lo propone, los detalles de terror son memorables; lo malo es que se rodean de relatos que no están a la misma altura y ello lastra el conjunto.

Valor de Ley

2011-04-24T13:53:00.004+02:00

La época es la década de 1870, el lugar la Norteamérica de la frontera de justo después de la Guerra Civil, y el narrador es la joven Mattie Ross, que con 14 años de edad emprende viaje a Fort Smith, Arkansas, decidida a buscar justicia por la muerte de su padre, tiroteado a sangre fría. Con un reparto de lujo, que incluye al oscarizado Jeff Bridges (Corazón rebelde), al nominado al Óscar Matt Damon (Invictus), al nominado al Óscar Josh Brolin (Milk), Barry Pepper (Salvar al soldado Ryan) y a la joven promesa Hailee Steinfeld como una de las jóvenes heroínas literarias con más coraje, Valor de ley ha sido escrita para la pantalla y dirigida por Joel y Ethan Coen y producida por Scott Rudin, Ethan Coen y Joel Coen. Los productores ejecutivos son Steven Spielberg, Robert Graf, David Ellison, Paul Schwake y Megan Ellison.

Mattie Ross (STEINFELD) llega a Fort Smith como única representante de su familia, en busca del cobarde Tom Chaney (BROLIN), de quien se dice que mató a su padre por dos monedas de oro antes de huir como un fugitivo al territorio indio. Decidida a seguir a Chaney y hacer que le ahorquen, Mattie le pide ayuda a un hombre del que se dice que es uno de los jefes de policía más rudos que hay en la ciudad: el borrachín de gatillo fácil Rooster Cogburn (BRIDGES), quien, después de muchas objeciones, accede a perseguir a Chaney. Pero Chaney es ya el objetivo del parlanchín ranger de Texas LaBoeuf (DAMON), quien también se propone capturar al asesino y llevarlo a Texas para cobrar una sustanciosa recompensa, lo que hace que los tres choquen por el camino. Todos ellos decididos y obstinados, cada uno de ellos impulsado por su propio y rudo código moral, esta insólita banda cabalga hacia un juicio impredecible, y se van viendo envueltos en la materia de las leyendas: malicia y brutalidad, valor y desilusión, tenacidad y amor sin reservas.

Reparto: Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper

Director: Ethan Coen, Joel Coen

Después de ver "El Hombre que no estuvo allí", primera y única película de los Coen que me atreví a soportar, me juré a mí mismo que no volvería a pasar por otra; mantuve mi promesa hasta que hace unos años un domingo por la tarde acompañé a mi hermana y una amiga a ver un subproducto en forma de comedia protagonizada por George Clooney y Catherine Zeta Jones del que no recuerdo ni el título; pues bien, de nuevo me ví acudiendo a ver esta nueva incursión de los Coen impelido por el gancho de las nominaciones a los Oscar. Y hay que decir que ni tanto ni tan poco; este remake del filme que le reportó a John Wayne su único Oscar pasa por una película aceptable, de sobremesa, que entretiene y mantiene el interés sobre todo gracias a una Hailee Steinfeld que se come el metraje, por delante de un algo ridículo Damon -por su papel, no por su interpretación- y un mejorable Jeff Bridges que vuelve a hacer el mismo papel de toda su carrera. Poco bagaje para tanta nominación, salvo por las aspiraciones chauvinistas de una industria del cine endogámica que es capaz de premiar filmes sólo por su muy americana denominación de origen políticamente correcta en la trama; por otro lado, si se es capaz de dejar a un lado la parafernalia mediática alrededor de ella, podemos encontrarnos como dijimos antes con una película que cumple sin brillo pero sin mácula. Mi abuelo, absoluto gourmet del western, dió un par de cabezadas en el cine...

LO MEJOR: Hailee Steinfeld, y los 20 últimos minutos de metraje.

American Vampire (Scott Snyder, Rafael Albuquerque, Stephen King)

2011-04-22T14:41:00.002+02:00

UN NUEVO VAMPIRO PARA UN NUEVO SIGLO. Astuto y despiadado como una serpiente de cascabel, Skinner Sweet tiene fama de ser terco e intratable. Es el primer vampiro concebido en tierra americana, pero no es la habitual criatura de la noche. Es más fuerte, más fiero y el sol renueva sus energías... Sweet es el primero de una nueva raza de chupasangres: el vampiro americano.

45 años después de alzarse de su tumba, Sweet se encuentra en Los Ángeles en los años 20, donde los jóvenes y bellos se ven atraídos como polillas por las luces de Hollywood. Sin embargo, hay algo más que simples humanos acechando allí, como la joven actriz Pearl Jones está a punto de descubrir. Cuando su sueño de convertirse en una estrella de cine se transforma en una pesadilla sangrienta, Sweet le da su única oportunidad de sobrevivir, así como el poder de vengarse.

El legendario maestro del terror Stephen King se une al escritor Scott Snyder y al dibujante Rafael Albuquerque para guiarnos a través de décadas de expansión americana y evolución de los no-muertos. Este volumen recopila los cinco primeros números de la aclamada serie Vertigo, con una nueva introducción de Stephen King.

Edición original: American Vampire # 1-5 USA

Guión: Scott Snyder, Stephen King
Dibujo: Rafael Albuquerque

Formato: Libro cartoné, 192 págs., a color.

Al fin Stephen King se decide a dar el salto al medio que le faltaba -el cómic- para colaborar con el guionista Scott Snyder y el dibujante Rafael Albuquerque en lo que es su bautistmo en el noveno arte -sin contar su "supervisión" en la adaptación al cómic de la serie basada en "La Torre Oscura"-, y el resultado, si no es espectacular, sí que es bastante bueno. El desarrollo de la historia entrecruza las dos tramas principales (por un lado, la de la joven Pearl y su venganza contra los que la transformaron en la criatura que es ahora, y por otro la biografía contada a través de la narración de un novelista y testigo de Skinner Sweet, el primer vampiro americano) de tal manera que la acción avanza gracias a los detalles que aportan ambas, en una original vuelta de tuerca del género, que recorre los inicios del naciente estado americano; curiosamente, es la parte de la historia guionizada por King -la centrada en Skinner Sweet- la que resulta tener más dinamismo literario, siendo capaz de adoptar al personaje creado por Snyder y hacerlo prácticamente suyo; cierto es que hay momentos puntuales del argumento que son mejorables o predecibles, pero el conjunto se lee con facilidad. Por el lado gráfico, Rafael Albuquerque recuerda con su trazo a algunos autores míticos del género (el nombre que se me viene a la cabeza es Berni Wrightson), dotando a la obra de un toque clásico que podrá gustar más o menos pero que viene al dedillo para la narración, con un uso de definición del lápiz que en algunos casos podría incluso poner celoso a un Sienkiewicz. Buen punto de partida para la serie y mejor para el maestro King, que a partir de ahora es de esperar que se prodigue en el mundillo del cómic visto el resultado de esta obra.

LO MEJOR: Skinner Sweet, sin ser creación suya, es un personaje perfectamente adaptable al universo King.